El arte de la antigua India La cultura de la India es una de las más antiguas de la humanidad, en continuo desarrollo durante varios milenios. Durante este tiempo, numerosos pueblos que habitaban el territorio de la India crearon obras literarias y artísticas altamente artísticas.

Las primeras obras de arte indio que conocemos datan del Neolítico. Los hallazgos arqueológicos realizados en el valle del Indo han revelado culturas antiguas. La sociedad de esa época estaba al nivel de las primeras relaciones de clase. Los monumentos encontrados atestiguan el desarrollo de la producción artesanal, la presencia de la escritura, así como las relaciones comerciales con otros países. Las primeras obras de arte indio que conocemos datan del Neolítico. Los hallazgos arqueológicos realizados en el valle del Indo han revelado culturas antiguas. La sociedad de esa época estaba al nivel de las primeras relaciones de clase. Los monumentos encontrados atestiguan el desarrollo de la producción artesanal, la presencia de la escritura, así como las relaciones comerciales con otros países. La fundición de bronce, la joyería y las artes aplicadas se distinguen por su gran artesanía.

Las excavaciones han descubierto ciudades con un trazado estricto de calles paralelas de este a oeste y de norte a sur. Las ciudades estaban rodeadas de murallas, los edificios se construían pisos altos, de ladrillos cocidos, enlucidos con arcilla y yeso. Se han conservado ruinas de palacios, edificios públicos y piscinas para abluciones religiosas; el sistema de drenaje de estas ciudades era el más perfecto del mundo antiguo. Las excavaciones han descubierto ciudades con un trazado estricto de calles paralelas de este a oeste y de norte a sur. Las ciudades estaban rodeadas de murallas, los edificios se construían pisos altos, de ladrillos cocidos, enlucidos con arcilla y yeso. Se han conservado ruinas de palacios, edificios públicos y piscinas para abluciones religiosas; el sistema de drenaje de estas ciudades era el más perfecto del mundo antiguo.

Las estatuillas también son características de la cultura artística antigua. La figurilla de un sacerdote, probablemente destinada a fines de culto, está realizada en esteatita blanca y ejecutada con un alto grado de convencionalismo. La ropa que cubre todo el cuerpo está decorada con tréboles, que pueden haber sido signos mágicos. Una cara con labios muy grandes, una barba corta representada convencionalmente, una frente hundida y ojos oblongos bordeados con piezas de conchas, en tipo, se asemeja a las esculturas sumerias pertenecientes al mismo período.

La rica naturaleza de la India se describe en mitos y leyendas con imágenes vívidas. “El rey de las montañas se estremeció por las ráfagas de viento ... y, cubierto de árboles doblados, derramó una lluvia de flores. Y los picos de esa montaña, resplandecientes con piedras preciosas y oro, y adornando la gran montaña, se esparcieron en todas direcciones. Numerosos árboles rotos por esa rama brillaron con colores dorados, como nubes atravesadas por un rayo. Y aquellos árboles, tachonados de oro, pegados a las rocas cuando caían, parecían allí como coloreados por los rayos del sol.” Y los picos de esa montaña, resplandecientes con piedras preciosas y oro, y adornando la gran montaña, se esparcieron en todas direcciones. Numerosos árboles rotos por esa rama brillaron con colores dorados, como nubes atravesadas por un rayo. Y esos árboles, tachonados de oro, conectando con las rocas cuando caían, parecían allí como si estuvieran coloreados por los rayos del sol ”(“Mahabharata”). ("Mahabharata").

El surgimiento del budismo condujo al surgimiento de edificios religiosos de piedra.Bajo Ashoka, se construyeron numerosos templos y monasterios, se esculpieron los preceptos morales budistas y los sermones. En estos lugares de culto, se utilizaron ampliamente las tradiciones arquitectónicas ya establecidas. La escultura que adornaba los templos reflejaba las más antiguas leyendas, mitos e ideas religiosas; El budismo absorbió casi todo el panteón de deidades brahmanes. El surgimiento del budismo condujo al surgimiento de edificios religiosos de piedra.Bajo Ashoka, se construyeron numerosos templos y monasterios, se esculpieron los preceptos morales budistas y los sermones. En estos lugares de culto, se utilizaron ampliamente las tradiciones arquitectónicas ya establecidas. La escultura que adornaba los templos reflejaba las más antiguas leyendas, mitos e ideas religiosas; El budismo absorbió casi todo el panteón de deidades brahmanes. Las estupas fueron uno de los principales tipos de monumentos religiosos budistas. Las estupas antiguas eran estructuras hemisféricas construidas con ladrillo y piedra, desprovistas de espacio interno, que ascendían en apariencia a antiguas colinas funerarias. La estupa se erigió sobre una base redonda, sobre la cual se hizo un rodeo circular. En la parte superior de la estupa se colocó una "casa de Dios" cúbica, o un relicario hecho de metal precioso (oro, etc.). Sobre el relicario se elevaba una vara, coronada con sombrillas descendentes, símbolos del noble nacimiento de Buda. La estupa simbolizaba el nirvana. El propósito de la estupa era almacenar reliquias sagradas. Las estupas se construyeron en lugares asociados, según la leyenda, con las actividades de Buda y los santos budistas. El monumento más antiguo y valioso es la estupa Sanchi, construida bajo Ashok en el siglo III a. a.C., pero en el s. ANTES DE CRISTO. ampliado y rodeado por una valla de piedra con 4 puertas. La altura total de la estupa en Sanchi es de 16,5 m, y hasta el final de la varilla es de 23,6 m, el diámetro de la base es de 32,3 m. La estupa Sanchi fue construida en ladrillo y revestida exteriormente con piedra, sobre la que originalmente se aplicó una capa de yeso con relieves grabados de contenido budista. Por la noche, la estupa se iluminaba con lámparas. Las estupas fueron uno de los principales tipos de monumentos religiosos budistas. Las estupas antiguas eran estructuras hemisféricas construidas con ladrillo y piedra, desprovistas de espacio interno, que ascendían en apariencia a antiguas colinas funerarias. La estupa se erigió sobre una base redonda, sobre la cual se hizo un rodeo circular. En la parte superior de la estupa se colocó una "casa de Dios" cúbica, o un relicario hecho de metal precioso (oro, etc.). Sobre el relicario se elevaba una vara, coronada con sombrillas descendentes, símbolos del noble nacimiento de Buda. La estupa simbolizaba el nirvana. El propósito de la estupa era almacenar reliquias sagradas. Las estupas se construyeron en lugares asociados, según la leyenda, con las actividades de Buda y los santos budistas. El monumento más antiguo y valioso es la estupa Sanchi, construida bajo Ashok en el siglo III a. a.C., pero en el s. ANTES DE CRISTO. ampliado y rodeado por una valla de piedra con 4 puertas. La altura total de la estupa en Sanchi es de 16,5 m, y hasta el final de la varilla es de 23,6 m, el diámetro de la base es de 32,3 m. La estupa Sanchi fue construida en ladrillo y revestida exteriormente con piedra, sobre la que originalmente se aplicó una capa de yeso con relieves grabados de contenido budista. Por la noche, la estupa se iluminaba con lámparas. Gran estupa en Sanchi. 3 en. antes de Cristo mi.

La cerca de piedra alrededor de la estupa en Sanchi fue creada como una antigua de madera, y sus puertas estaban orientadas a lo largo de los cuatro puntos cardinales. Las puertas de piedra en Sanchi están completamente cubiertas de esculturas, casi no hay lugar donde la piedra permanezca lisa. Esta escultura se parece al tallado en madera y marfil, y no es coincidencia que los mismos artesanos populares trabajaran como talladores de piedra, madera y hueso en la antigua India. Las puertas son dos pilares macizos, que llevan tres travesaños que los cruzan en la parte superior, situados uno encima del otro. En el último travesaño superior se colocaron figuras de genios guardianes y símbolos budistas, por ejemplo, la rueda es símbolo de la prédica budista. La figura de Buda aún no se representaba durante este período. La cerca de piedra alrededor de la estupa en Sanchi fue creada como una antigua de madera, y sus puertas estaban orientadas a lo largo de los cuatro puntos cardinales. Las puertas de piedra en Sanchi están completamente cubiertas de esculturas, casi no hay lugar donde la piedra permanezca lisa. Esta escultura se parece al tallado en madera y marfil, y no es coincidencia que los mismos artesanos populares trabajaran como talladores de piedra, madera y hueso en la antigua India. Las puertas son dos pilares macizos, que llevan tres travesaños que los cruzan en la parte superior, situados uno encima del otro. En el último travesaño superior se colocaron figuras de genios guardianes y símbolos budistas, por ejemplo, la rueda es símbolo de la prédica budista. La figura de Buda aún no se representaba durante este período.

Las figuras escultóricas de niñas “yakshini”, espíritus de la fertilidad, meciéndose en las ramas, colocadas en las partes laterales de la puerta, son inusualmente poéticas. A partir de formas antiguas primitivas y condicionales, el arte en este período dio un gran paso adelante. Esto se manifiesta principalmente en un realismo, plasticidad y armonía de formas incomparablemente mayores. Toda la apariencia de los yakshini, sus brazos y piernas ásperos y grandes, decorados con numerosas pulseras masivas, senos fuertes, redondos y muy altos, caderas fuertemente desarrolladas enfatizan la fuerza física de estas chicas, como si estuvieran borrachas con los jugos de la naturaleza, elásticamente columpiándose en las ramas. Las ramas, que las jóvenes diosas agarran con las manos, se doblan bajo el peso de sus cuerpos. Los movimientos de las figuras son hermosos y armoniosos. Estas imágenes femeninas, dotadas de rasgos vitales y populares, se encuentran constantemente en los mitos de la India antigua y se comparan con un árbol flexible o un brote joven y violento, ya que encarnan las poderosas fuerzas creativas de la naturaleza deificada. El sentimiento de poder elemental es inherente a todas las imágenes de la naturaleza en la escultura de Maurya. Las figuras escultóricas de niñas “yakshini”, espíritus de la fertilidad, meciéndose en las ramas, colocadas en las partes laterales de la puerta, son inusualmente poéticas. A partir de formas antiguas primitivas y condicionales, el arte en este período dio un gran paso adelante. Esto se manifiesta principalmente en un realismo, plasticidad y armonía de formas incomparablemente mayores. Toda la apariencia de los yakshini, sus brazos y piernas ásperos y grandes, decorados con numerosas pulseras masivas, senos fuertes, redondos y muy altos, caderas fuertemente desarrolladas enfatizan la fuerza física de estas chicas, como si estuvieran borrachas con los jugos de la naturaleza, elásticamente columpiándose en las ramas. Las ramas, que las jóvenes diosas agarran con las manos, se doblan bajo el peso de sus cuerpos. Los movimientos de las figuras son hermosos y armoniosos. Estas imágenes femeninas, dotadas de rasgos vitales y populares, se encuentran constantemente en los mitos de la India antigua y se comparan con un árbol flexible o un brote joven y violento, ya que encarnan las poderosas fuerzas creativas de la naturaleza deificada. El sentimiento de poder elemental es inherente a todas las imágenes de la naturaleza en la escultura de Maurya.

Stambha El segundo tipo de edificios religiosos monumentales eran pilares de piedra monolíticos stambha, generalmente completados con un capitel rematado con una escultura. En el pilar se tallaron edictos y prescripciones religiosas y morales budistas. La parte superior del pilar estaba decorada con un capitel en forma de loto con esculturas de animales sagrados simbólicos. Dichos pilares de períodos anteriores se conocen a partir de imágenes antiguas en sellos. Los pilares erigidos bajo Ashoka están decorados con símbolos budistas y, de acuerdo con su propósito, deben cumplir la tarea de glorificar el estado y propagar las ideas del budismo. Entonces, cuatro leones, conectados por sus espaldas, sostienen una rueda budista sobre un pilar Sarnath. El capitel de Sarnath está hecho de arenisca pulida; todas las imágenes realizadas en él reproducen motivos tradicionales de la India. Las figuras en relieve de un elefante, un caballo, un toro y un león se colocan sobre el ábaco, simbolizando los países del mundo. Los animales en el relieve se representan vívidamente, sus poses son dinámicas y libres. Las figuras de leones en la parte superior del capitel son más convencionales y decorativas. Al ser un símbolo oficial de poder y grandeza real, difieren significativamente de los relieves de Sanchi. El segundo tipo de edificios religiosos monumentales eran pilares de piedra monolíticos stambha, generalmente completados con un capitel rematado con una escultura. En el pilar se tallaron edictos y prescripciones religiosas y morales budistas. La parte superior del pilar estaba decorada con un capitel en forma de loto con esculturas de animales sagrados simbólicos. Dichos pilares de períodos anteriores se conocen a partir de imágenes antiguas en sellos. Los pilares erigidos bajo Ashoka están decorados con símbolos budistas y, de acuerdo con su propósito, deben cumplir la tarea de glorificar el estado y propagar las ideas del budismo. Entonces, cuatro leones, conectados por sus espaldas, sostienen una rueda budista sobre un pilar Sarnath. El capitel de Sarnath está hecho de arenisca pulida; todas las imágenes realizadas en él reproducen motivos tradicionales de la India. Las figuras en relieve de un elefante, un caballo, un toro y un león se colocan sobre el ábaco, simbolizando los países del mundo. Los animales en el relieve se representan vívidamente, sus poses son dinámicas y libres. Las figuras de leones en la parte superior del capitel son más convencionales y decorativas. Al ser un símbolo oficial de poder y grandeza real, difieren significativamente de los relieves de Sanchi. Capitel de león de Sarnath. Arenisca. Altura 2,13 m 3 pulg. antes de Cristo mi. Sarnath. Museo.

Chaitya Durante el reinado de Ashoka, comienza la construcción de templos budistas en cuevas. Los templos y monasterios budistas fueron tallados directamente en las masas rocosas y, a veces, representaban grandes complejos de templos. Los recintos severos y majestuosos de los templos, generalmente divididos por dos filas de columnas en tres naves, estaban decorados con escultura redonda, talla de piedra y pintura. Se colocó una estupa dentro del templo, ubicada en las profundidades del chaitya, frente a la entrada. Se han conservado varios pequeños templos en cuevas de la época de Ashoka. En la arquitectura de estos templos, como en otras estructuras de piedra del período Maurya, influyó la tradición de la arquitectura en madera (principalmente en el procesamiento de las fachadas). En la fachada, se reproduce en piedra un arco en forma de quilla sobre la entrada, antepechos de vigas e incluso celosías caladas. En Lomas-Rishi, sobre la entrada, en un estrecho espacio de un cinturón situado en semicírculo, hay una imagen en relieve de elefantes adorando estupas. Sus figuras con sobrepeso y movimientos rítmicos y suaves se asemejan a los relieves de las puertas de Sanchi, realizadas dos siglos después. Durante el reinado de Ashoka, comienza la construcción de templos budistas en cuevas. Los templos y monasterios budistas fueron tallados directamente en las masas rocosas y, a veces, representaban grandes complejos de templos. Los recintos severos y majestuosos de los templos, generalmente divididos por dos filas de columnas en tres naves, estaban decorados con escultura redonda, talla de piedra y pintura. Se colocó una estupa dentro del templo, ubicada en las profundidades del chaitya, frente a la entrada. Se han conservado varios pequeños templos en cuevas de la época de Ashoka. En la arquitectura de estos templos, como en otras estructuras de piedra del período Maurya, influyó la tradición de la arquitectura en madera (principalmente en el procesamiento de las fachadas). En la fachada, se reproduce en piedra un arco en forma de quilla sobre la entrada, antepechos de vigas e incluso celosías caladas. En Lomas-Rishi, sobre la entrada, en un estrecho espacio de un cinturón situado en semicírculo, hay una imagen en relieve de elefantes adorando estupas. Sus figuras con sobrepeso y movimientos rítmicos y suaves se asemejan a los relieves de las puertas de Sanchi, realizadas dos siglos después.

El majestuoso interior de la chaitya está decorado con dos filas de columnas. Las columnas monolíticas octogonales con capiteles facetados se completan con grupos escultóricos simbólicos de elefantes arrodillados con figuras masculinas y femeninas sentadas sobre ellos. La luz que entra por la ventana con quilla ilumina el chaitya. Anteriormente, la luz se dispersaba por filas de celosías de madera ornamentadas, lo que realzaba aún más la atmósfera de misterio. Pero incluso ahora, hablando en el crepúsculo, las columnas parecen moverse hacia el espectador. Los corredores actuales son tan estrechos que casi no hay espacio detrás de las columnas.Las paredes del vestíbulo frente a la entrada al interior del chaitya están decoradas con esculturas. Al pie de los muros se encuentran figuras macizas de elefantes sagrados, ejecutadas en muy alto relieve. Una vez pasada esta parte del templo, como si se iniciaran en la historia de la vida de Buda y prepararan un cierto ambiente de oración, los peregrinos se encontraron en el misterioso espacio semioscuro del santuario con paredes brillantes y suelos pulidos como el cristal. , en el que se reflejaba el resplandor de la luz. Chaitya en Karli es una de las mejores estructuras arquitectónicas de la India de este período. Manifestó claramente la originalidad del arte antiguo y los rasgos característicos de la arquitectura india icónica. La escultura de los templos de las cuevas suele servir como una adición armoniosa a los detalles arquitectónicos de la fachada, capiteles, etc. de columnas de salón. Chaitya en Karli. Vista interna. 1 en. antes de Cristo mi.

Los interiores de los templos de Ajanta están cubiertos casi en su totalidad con pinturas monumentales. En estos murales, los maestros que los trabajaron expresaron con gran fuerza la riqueza, fabulosidad y belleza poética de su fantasía artística, que logró encarnar sentimientos humanos vivos y diversos fenómenos de la vida real de la India. Los murales cubren tanto el techo como las paredes. Sus tramas son leyendas de la vida de Buda, entrelazadas con antiguas escenas mitológicas indias. Las imágenes de personas, flores y pájaros, animales y plantas están pintadas con gran habilidad. De las imágenes toscas y poderosas del período Ashoka, el arte evolucionó hacia la espiritualidad, la suavidad y la emotividad. La imagen de Buda, dada muchas veces en sus reencarnaciones, está rodeada de muchas escenas de género que son esencialmente de naturaleza secular. Las pinturas están llenas de las observaciones más vivas y directas y proporcionan un rico material para estudiar la vida de la antigua India. Los interiores de los templos de Ajanta están cubiertos casi en su totalidad con pinturas monumentales. En estos murales, los maestros que los trabajaron expresaron con gran fuerza la riqueza, fabulosidad y belleza poética de su fantasía artística, que logró encarnar sentimientos humanos vivos y diversos fenómenos de la vida real de la India. Los murales cubren tanto el techo como las paredes. Sus tramas son leyendas de la vida de Buda, entrelazadas con antiguas escenas mitológicas indias. Las imágenes de personas, flores y pájaros, animales y plantas están pintadas con gran habilidad. De las imágenes toscas y poderosas del período Ashoka, el arte evolucionó hacia la espiritualidad, la suavidad y la emotividad. La imagen de Buda, dada muchas veces en sus reencarnaciones, está rodeada de muchas escenas de género que son esencialmente de naturaleza secular. Las pinturas están llenas de las observaciones más vivas y directas y proporcionan un rico material para estudiar la vida de la antigua India. Fragmento de la pintura del templo de la cueva 17 en Ajanta. Finales del siglo V. norte. mi.

Un excelente ejemplo de la habilidad de los pintores de Ajanta es la famosa figura de una niña inclinada del templo 2, llena de gracia, gracia y tierna feminidad. Un excelente ejemplo de la habilidad de los pintores de Ajanta es la famosa figura de una niña inclinada del templo 2, llena de gracia, gracia y tierna feminidad.

La pintura del templo 17 muestra a Indra volando, acompañado de músicos y doncellas celestiales "apsaras". La sensación de vuelo la transmiten nubes azules, blancas y rosadas que se arremolinan sobre un fondo oscuro, entre las que se elevan Indra y sus compañeros. Las piernas, los brazos y el cabello de Indra y las hermosas doncellas celestiales están adornados con joyas. El artista, esforzándose por transmitir la espiritualidad y la exquisita gracia de las imágenes de las deidades, las representó con ojos alargados y medio cerrados, delineados por finas líneas de cejas, con una boca pequeña y una cara ovalada suave, redondeada y suave. En dedos delgados y curvos, Indra y las doncellas celestiales sostienen flores. En comparación con las figuras un tanto convencionales e idealizadas de los dioses, los sirvientes y músicos de esta composición están representados de una manera más realista, con rostros vivaces, toscos y expresivos. Los cuerpos de las personas están pintados con pintura marrón cálida, solo Indra se representa con la piel blanca. El follaje espeso y jugoso de las plantas de color verde oscuro y las manchas brillantes de las flores le dan una mayor sonoridad al color. La línea juega un papel decorativo significativo en la pintura de Ajanta, que es perseguida y clara, o suave, pero invariablemente da volumen a los cuerpos. La pintura del templo 17 muestra a Indra volando, acompañado de músicos y doncellas celestiales "apsaras". La sensación de vuelo la transmiten nubes azules, blancas y rosadas que se arremolinan sobre un fondo oscuro, entre las que se elevan Indra y sus compañeros. Las piernas, los brazos y el cabello de Indra y las hermosas doncellas celestiales están adornados con joyas. El artista, esforzándose por transmitir la espiritualidad y la exquisita gracia de las imágenes de las deidades, las representó con ojos alargados y medio cerrados, delineados por finas líneas de cejas, con una boca pequeña y una cara ovalada suave, redondeada y suave. En dedos delgados y curvos, Indra y las doncellas celestiales sostienen flores. En comparación con las figuras un tanto convencionales e idealizadas de los dioses, los sirvientes y músicos de esta composición están representados de una manera más realista, con rostros vivaces, toscos y expresivos. Los cuerpos de las personas están pintados con pintura marrón cálida, solo Indra se representa con la piel blanca. El follaje espeso y jugoso de las plantas de color verde oscuro y las manchas brillantes de las flores le dan una mayor sonoridad al color. La línea juega un papel decorativo significativo en la pintura de Ajanta, que es perseguida y clara, o suave, pero invariablemente da volumen a los cuerpos.

La percepción mitológica, vívida y figurativa de la naturaleza, combinada con la narrativa en escenas de género (aunque sobre temas religiosos) son características de estas pinturas. Género en la interpretación de historias religiosas atestigua el deseo de conectar la mitología antigua con la realidad.

Los Budas Los temas budistas de las esculturas de Gandhara y los relieves escultóricos que adornaban las paredes de los monasterios y templos son muy diversos y ocupan un lugar especial en el arte indio. Los temas budistas de las esculturas de Gandhara y los relieves escultóricos que adornaban las paredes de los monasterios y templos son muy diversos y ocupan un lugar especial en el arte indio. Nueva era la imagen de Buda en forma de hombre, que no se había visto antes en el arte de la India. Al mismo tiempo, en la imagen de Buda y otras deidades budistas, se encarnó la idea de una personalidad ideal, en cuya forma se combinan armoniosamente la belleza física y un estado espiritual exaltado de paz y contemplación clara. En la escultura de Gandhara, algunas características del arte de la antigua Grecia se fusionaron orgánicamente con ricas imágenes y tradiciones de la antigua India. Un ejemplo es el relieve del Museo de Calcuta que representa la visita de Indra al Buda en la cueva de Bodhgaya. Como en una escena similar en los relieves de Sanchi, Indra con su séquito se acerca a la cueva, cruzando las manos en oración; la escena de género narrativo en torno a la figura de Buda también tiene un carácter propio de las esculturas anteriores de la India. Pero, a diferencia de la composición en Sanchi, el lugar central en el relieve de Calcuta lo ocupa la figura tranquila y majestuosa de Buda, sentado en un nicho, con la cabeza rodeada por un halo. Los pliegues de su ropa no ocultan el cuerpo y se asemejan a las ropas de los dioses griegos. En torno a la hornacina se representan diversos animales que simbolizan la soledad del lugar de la ermita. El significado de la imagen de Buda se enfatiza por la inmovilidad de la pose, la severidad de las proporciones y la falta de conexión entre la figura y el entorno. Nueva era la imagen de Buda en forma de hombre, que no se había visto antes en el arte de la India. Al mismo tiempo, en la imagen de Buda y otras deidades budistas, se encarnó la idea de una personalidad ideal, en cuya forma se combinan armoniosamente la belleza física y un estado espiritual exaltado de paz y contemplación clara. En la escultura de Gandhara, algunas características del arte de la antigua Grecia se fusionaron orgánicamente con ricas imágenes y tradiciones de la antigua India. Un ejemplo es el relieve del Museo de Calcuta que representa la visita de Indra al Buda en la cueva de Bodhgaya. Como en una escena similar en los relieves de Sanchi, Indra con su séquito se acerca a la cueva, cruzando las manos en oración; la escena de género narrativo en torno a la figura de Buda también tiene un carácter propio de las esculturas anteriores de la India. Pero, a diferencia de la composición en Sanchi, el lugar central en el relieve de Calcuta lo ocupa la figura tranquila y majestuosa de Buda, sentado en un nicho, con la cabeza rodeada por un halo. Los pliegues de su ropa no ocultan el cuerpo y se asemejan a las ropas de los dioses griegos. En torno a la hornacina se representan diversos animales que simbolizan la soledad del lugar de la ermita. El significado de la imagen de Buda se enfatiza por la inmovilidad de la pose, la severidad de las proporciones y la falta de conexión entre la figura y el entorno.

Genio con flores. Escultura de estuco de Gadda. siglo 34 norte. mi. París. Museo Guimet. Genio con flores. Escultura de estuco de Gadda. siglo 34 norte. mi. París. Museo Guimet. En otras imágenes, los artistas gandharianos interpretaron la imagen de una deidad humana aún más libre y vitalmente. Tal, por ejemplo, es la estatua de Buda del Museo de Berlín, hecha de pizarra azulada. La figura de Buda está envuelta en ropas que se asemejan a un himation griego y desciende en amplios pliegues hasta sus pies. El rostro de Buda con rasgos regulares, boca fina y nariz recta expresa calma. No hay nada en su rostro y postura que indique la naturaleza icónica de la estatua.

El afán por el lujo copioso y la sofisticación, anticipándose al futuro arte feudal de la India, también aparece en las artes visuales. Los requisitos religiosos oficiales y los cánones estrictos ya le han estampado el sello de la idealización abstracta y el convencionalismo, especialmente en las imágenes escultóricas de Buda. Tal, por ejemplo, es una estatua del museo en Sarnath (siglo V dC), que se distingue por el virtuosismo en el procesamiento de la piedra y la belleza ideal congelada. El Buda está representado sentado con la mano levantada en un gesto ritual de instrucción: "mudra". En su rostro de párpados pesados, hay una fina sonrisa impasible. Un gran halo calado, sostenido a ambos lados por espíritus, enmarca su cabeza. El pedestal representa a los seguidores de Buda, ubicados a los lados de la rueda simbólica de la ley. La imagen de Buda es refinada y fría, no tiene esa calidez viva que suele ser característica del arte de la India antigua. El Buda de Sarnath se diferencia mucho de las imágenes de Gandhar en que es más abstracto e impasible. El afán por el lujo copioso y la sofisticación, anticipándose al futuro arte feudal de la India, también aparece en las artes visuales. Los requisitos religiosos oficiales y los cánones estrictos ya le han estampado el sello de la idealización abstracta y el convencionalismo, especialmente en las imágenes escultóricas de Buda. Tal, por ejemplo, es una estatua del museo en Sarnath (siglo V dC), que se distingue por el virtuosismo en el procesamiento de la piedra y la belleza ideal congelada. El Buda está representado sentado con la mano levantada en un gesto ritual de instrucción: "mudra". En su rostro de párpados pesados, hay una fina sonrisa impasible. Un gran halo calado, sostenido a ambos lados por espíritus, enmarca su cabeza. El pedestal representa a los seguidores de Buda, ubicados a los lados de la rueda simbólica de la ley. La imagen de Buda es refinada y fría, no tiene esa calidez viva que suele ser característica del arte de la India antigua. El Buda de Sarnath se diferencia mucho de las imágenes de Gandhar en que es más abstracto e impasible. Estatua de Buda de Sarnath. Arenisca. Altura 1,60 m 5 pulg. norte. mi. Sarnath. Museo.

Estatua de Avalokiteshvara Entre los monumentos del período Kushan, un lugar especial pertenece a las estatuas de retratos, en particular las esculturas de los gobernantes. Las estatuas de los gobernantes a menudo se colocaban fuera de las estructuras arquitectónicas, como monumentos independientes. En estas estatuas se recrean los rasgos característicos de su apariencia y se reproducen fielmente todos los detalles de la vestimenta. El rey está representado con una túnica que llega hasta las rodillas y ceñido con un cinturón; se usa una prenda más larga sobre la túnica. En los pies hay botas suaves con cordones. A veces, las imágenes de culto individuales recibieron características de retrato, como se puede ver en la estatua de Avalokiteshvara. Entre los monumentos del período Kushan, un lugar especial pertenece a las estatuas de retratos, en particular las esculturas de gobernantes. Las estatuas de los gobernantes a menudo se colocaban fuera de las estructuras arquitectónicas, como monumentos independientes. En estas estatuas se recrean los rasgos característicos de su apariencia y se reproducen fielmente todos los detalles de la vestimenta. El rey está representado con una túnica que llega hasta las rodillas y ceñido con un cinturón; se usa una prenda más larga sobre la túnica. En los pies hay botas suaves con cordones. A veces, las imágenes de culto individuales recibieron características de retrato, como se ve en la estatua de Avalokiteshvara.

Estatua del "Rey Serpiente" Los héroes de la antigua epopeya india, como antes, continúan ocupando un lugar importante en el arte de este período. Pero, por regla general, están dotados de otras características. Sus imágenes son más sublimes; sus figuras se distinguen por la armonía y claridad de proporciones. Los héroes de la antigua epopeya india, como antes, continúan ocupando un lugar importante en el arte de este período. Pero, por regla general, están dotados de otras características. Sus imágenes son más sublimes; sus figuras se distinguen por la armonía y claridad de proporciones.

En el norte de la India, también aparece un tipo especial de templo en forma de torre de ladrillo. Un ejemplo de este tipo de edificios es el templo Mahabodhi dedicado al Buda y que representa una especie de elaboración en forma de estupa. El templo antes de la reconstrucción tenía la forma de una pirámide troncocónica alta, dividida en el exterior en nueve niveles decorativos. En la parte superior había un relicario "hti", coronado por una aguja con sombrillas simbólicas que descienden hacia arriba. La base de la torre era una plataforma alta con escaleras. Los niveles del templo estaban decorados con nichos, pilastras y esculturas que representaban símbolos budistas. El espacio interior del templo casi no está desarrollado. Pero desde el exterior, cada nivel se divide en una serie de nichos decorativos, también se ha conservado información sobre el colorido brillante de los detalles individuales. En general, en la arquitectura de los últimos siglos. hay un aumento en la decoración, hay una cierta congestión de las paredes exteriores con decoración escultórica y talla fina. Sin embargo, al mismo tiempo, aún se conserva la claridad de la arquitectura, en su mayor parte perdida en la arquitectura de la India feudal. En el norte de la India, también aparece un tipo especial de templo en forma de torre de ladrillo. Un ejemplo de este tipo de edificios es el templo Mahabodhi dedicado al Buda y que representa una especie de elaboración en forma de estupa. El templo antes de la reconstrucción tenía la forma de una pirámide troncocónica alta, dividida en el exterior en nueve niveles decorativos. En la parte superior había un relicario "hti", coronado por una aguja con sombrillas simbólicas que descienden hacia arriba. La base de la torre era una plataforma alta con escaleras. Los niveles del templo estaban decorados con nichos, pilastras y esculturas que representaban símbolos budistas. El espacio interior del templo casi no está desarrollado. Pero desde el exterior, cada nivel se divide en una serie de nichos decorativos, también se ha conservado información sobre el colorido brillante de los detalles individuales. En general, en la arquitectura de los últimos siglos. hay un aumento en la decoración, hay una cierta congestión de las paredes exteriores con decoración escultórica y talla fina. Sin embargo, al mismo tiempo, aún se conserva la claridad de la arquitectura, en su mayor parte perdida en la arquitectura de la India feudal. Templo Mahabodhi en Bodhgaya. Alrededor del siglo V. norte. mi. Renovar.

Los primeros monumentos de arquitectura y bellas artes de la antigua India pertenecen a la era de la civilización Harappa, pero los ejemplos más llamativos se crearon en la era Kushano-Gupta. Los monumentos de naturaleza tanto religiosa como secular se distinguieron por su alto mérito artístico.

En la era de la antigüedad, la mayoría de los edificios estaban construidos con madera y, por lo tanto, no se han conservado. El palacio del rey Chendragupta fue construido de madera, y hasta el día de hoy solo han sobrevivido los restos de las columnas de piedra. En los primeros siglos de nuestra era, la piedra comenzó a ser muy utilizada en la construcción. La arquitectura religiosa de este período está representada por complejos de cuevas, templos y estupas (estructuras de piedra en las que se guardaban las reliquias de Buda). De los complejos de cuevas, los complejos de la ciudad de Karl y Ellora son los más interesantes. El templo de la cueva en Karla tiene casi 14 m de alto, 14 m de ancho y unos 38 m de largo. Hay una gran cantidad de esculturas y estupas. En la era Gupta se inició la construcción de un complejo de cuevas en Ellora, que se prolongó durante varios siglos. Las obras maestras de la arquitectura india también incluyen el templo hindú en Sanchi y la estupa budista ubicada allí.

En la antigua India, había varias escuelas de escultura, de las cuales las más grandes eran las escuelas Gandharian, Mathura y Amaravati. La mayoría de las esculturas supervivientes también eran de carácter religioso. El arte escultórico alcanzó tal altura que hubo una serie de pautas y reglas especiales para su creación. Se desarrollaron técnicas iconográficas, diferentes para las diferentes tradiciones religiosas. Había iconografía budista, jani e hindú.

En la escuela de Gandhara se combinaron tres tradiciones: budista, grecorromana y centroasiática. Fue aquí donde se crearon las primeras imágenes de Buda, además, como un dios; estas esculturas también representaban estatuas de bodhisattvas. En la escuela Mathura, cuyos albores coinciden con la era Kushan, el ambiente secular es de particular importancia junto con las composiciones arquitectónicas puramente religiosas. Las imágenes de Buda aparecieron aquí igual de temprano. La escuela de Mathura estuvo influenciada por el arte anterior de Maurya, y algunas esculturas hablan de la influencia de Harappa (figuras de diosas madres, deidades locales, etc.). En comparación con otras escuelas escultóricas, la escuela Amaravati absorbió las tradiciones del sur del país y los cánones budistas. Se conservaron en esculturas posteriores, lo que influyó en el arte del sudeste asiático y Sri Lanka.

El arte indio antiguo estaba estrechamente relacionado con la religión y la filosofía. Además, siempre se dirigió a la casta inferior: los campesinos, para transmitirles las leyes del karma, los requisitos del dharma, etc. En poesía, prosa, teatro, música, el artista indio se identificó con la naturaleza en todos sus estados de ánimo, respondió a la conexión entre el hombre y el universo. Y, finalmente, una influencia significativa en el desarrollo del arte indio tuvo un prejuicio religioso dirigido contra las estatuas de los dioses. Los Vedas estaban en contra de la imagen de la deidad, y la imagen de Buda apareció en la escultura y la pintura solo en el período tardío del desarrollo del budismo.

La cultura artística de la antigua sociedad india estuvo profundamente influenciada por el hinduismo, el budismo y el islam.

La percepción artística y figurativa a través del prisma de estos sistemas religiosos y filosóficos está marcada por el refinamiento de la imagen de una persona y el mundo circundante, la perfección de las formas arquitectónicas.

El monumento más famoso de la pintura india antigua son las pinturas murales de las cuevas de Ajanta. Durante 150 años, los antiguos maestros tallaron este templo en la roca. En este complejo budista de 29 cuevas, las pinturas cubren las paredes y los techos interiores. Aquí hay varias historias de la vida de Buda, temas mitológicos, escenas de la vida cotidiana, temas de palacio. Todos los dibujos están perfectamente conservados, porque. Los indios conocían bien los secretos de las pinturas duraderas, el arte de fortalecer el suelo. La elección del color dependía de la trama y los personajes. Los dioses y los reyes, por ejemplo, siempre han sido representados como blancos. Las tradiciones de Ajanta han influido en el arte de Sri Lanka y varias partes de la India.

Otro rasgo característico de la antigua cultura india es la expresión en imágenes artísticas de la idea de adorar al dios del amor: Kama. Este significado se basaba en que los indios consideraban a la pareja matrimonial de un dios y una diosa como un proceso de creación cósmica. Por lo tanto, las imágenes del castigo de Dios en un fuerte abrazo son comunes en los templos.

Bellas Artes de la India. (KRISNA.)

Teniendo en cuenta las obras de bellas artes de la antigüedad asiática, a menudo nos encontramos con los nombres de grandes maestros, especialmente en el arte de China y Japón. Sin embargo, es poco probable que muchos de los amantes del arte puedan nombrar los nombres destacados de escultores o artistas indios. El arte visual indio es anónimo, y esta es una de sus características distintivas más importantes. Y este anonimato se manifiesta no solo en la ausencia de los nombres de los autores que crearon la pintura, sino a menudo en el anonimato parcial de las propias imágenes. Es más probable que un artista indio cree una imagen de una deidad que un rey o noble específico. Las escenas cotidianas de la vida cotidiana incluían imágenes generalizadas y no pueden pretender ser una semejanza de retrato, como, de hecho, cualquier otra imagen en el arte indio.

El maestro indio nunca creó sus obras del natural, ya fuera la imagen de una persona, un árbol sagrado o cualquier animal. El maestro indio trabajaba de memoria, conectando a su obra, además de la percepción directa de la naturaleza, su propia visión, así como siguiendo los cánones. Los cánones desarrollan en detalle las reglas para representar las posturas (asanas) y las posiciones de las manos y los dedos (mudras). Las obras indias, si no eran imágenes de dioses, han sido siempre un reflejo subjetivo de la realidad objetiva.

En las imágenes, las emociones (raza) fueron de gran importancia. Se consideraron básicas ocho emociones: amor, estado espiritual elevado, alegría, sorpresa, tristeza como compasión, paz y descontento. Todas las historias populares representaban la alegría de ser, que se manifestaba a través de las emociones: rasa, se consideraban una manifestación de Brahman en el hombre.

A lo largo de muchos siglos, muchas tendencias, escuelas y tendencias brillantes y originales han surgido, se han desarrollado, cambiado o desaparecido en el arte indio. El arte indio, como el arte de otros pueblos, conoció no solo los caminos de la continuidad interna, sino también las influencias externas, e incluso la invasión de otras culturas artísticas extranjeras, pero en todas estas etapas se mantiene creativamente fuerte y original. A pesar de la conocida condicionalidad de los cánones religiosos, el arte indio tiene un gran contenido universal y humanista.

En un ensayo conciso, es imposible cubrir la historia del arte indio en detalle. Por lo tanto, aquí solo se dará una breve descripción de los monumentos más llamativos y característicos y las líneas más importantes de desarrollo del arte y la arquitectura en la India desde la antigüedad hasta la actualidad.

Los orígenes de las artes visuales y la arquitectura de la India se remontan a los períodos más antiguos de su historia.

En las regiones centrales del país se han descubierto murales que datan de las eras Paleolítica y Neolítica que representan escenas de caza y animales. Las culturas más antiguas de Sindh y Baluchistán se caracterizan por pequeñas esculturas de arcilla dominadas por figurillas femeninas toscamente moldeadas y pintadas, generalmente asociadas al culto de la diosa madre, y cerámicas pintadas ornamentadas con pintura negra o roja. Imágenes de toros, leones, cabras montesas y otros animales, así como árboles en combinación con motivos geométricos, son comunes en la ornamentación.

El primer florecimiento de la cultura urbana de la India está representado por los monumentos arquitectónicos de Harappa (Punjab) y Mohenjo-Daro (Sindh). Estos monumentos testimonian el altísimo desarrollo para la época del urbanismo y el pensamiento arquitectónico y técnico de los más antiguos constructores indios y su gran destreza profesional. Durante las excavaciones se encontraron aquí las ruinas de grandes asentamientos de tipo urbano con un trazado muy desarrollado. En la parte occidental de estas ciudades había ciudadelas fuertemente fortificadas con varios edificios públicos. Los muros de las ciudadelas se reforzaron con torres rectangulares salientes. Una característica de la apariencia de estas ciudades fue la ausencia casi total de decoraciones arquitectónicas.

Las pocas obras de escultura encontradas en Mohenjo-Daro, Harappa y algunos otros centros de la civilización del valle del Indo dan testimonio de la mejora adicional de las técnicas pictóricas y la interpretación plástica de la imagen. El busto de esteatita de un sacerdote (o rey) y una figura de bronce de una bailarina de Mohenjo-Daro representan dos imágenes individualizadas completamente diferentes, interpretadas de forma generalizada, pero muy expresivas y vitales. Dos torsos de Harappa (piedra caliza roja y gris) dan testimonio de la gran comprensión de los escultores de la plasticidad del cuerpo humano.

Los sellos de esteatita tallados con imágenes de animales, deidades o escenas rituales se distinguen por una alta perfección de ejecución. Las inscripciones pictográficas de estos sellos aún no han sido descifradas.

La arquitectura y las bellas artes del período subsiguiente, llamado védico, sólo las conocemos a través de fuentes escritas. Los monumentos genuinos de esta época casi nunca se descubren. En esta época se desarrolló ampliamente la construcción con madera y arcilla, se desarrollaron métodos constructivos y técnicos, que luego formaron la base de la arquitectura en piedra.

Desde el comienzo del apogeo del estado de Magadha (mediados de los siglos VI-IV aC), se conservan restos de ciclópeos muros defensivos y grandes andenes que sirvieron como cimientos de edificios. Los primeros textos budistas mencionan estatuas de dioses.

Se puede juzgar más completamente sobre el arte del Imperio Maurya (finales del siglo IV - principios del siglo II a. C.). El palacio real en su capital, Pataliputra, fue comparado por fuentes antiguas con los palacios aqueménidas en Susa y Ecbatana.

Las excavaciones revelaron los restos de este palacio: una gran sala rectangular, cuyo techo descansaba sobre cien columnas de piedra.

El florecimiento de la arquitectura y la escultura tuvo lugar durante el reinado de Ashoka. Bajo él, la construcción de edificios religiosos budistas adquirió un alcance especial.

Los monumentos característicos de la época de Ashoka fueron numerosas columnas monolíticas de piedra: stambha, en las que se esculpieron edictos reales y textos religiosos budistas; sus cimas tenían un capitel en forma de loto y estaban coronadas con imágenes escultóricas de símbolos budistas. Así, en uno de los pilares más famosos de Sarnath (alrededor del 240 a. C.), las figuras en relieve de un caballo, un toro, un león y un elefante se representan con una habilidad y expresividad asombrosas, y la parte superior de este pilar está coronada por un escultórico imagen de cuatro medias figuras conectadas con sus espaldas leones

El monumento más típico de la arquitectura budista de esta época son las estupas, estructuras conmemorativas diseñadas para almacenar reliquias budistas (la tradición atribuye a Ashoka la construcción de 84 mil estupas). En su forma más simple, una estupa es un hemisferio monolítico colocado sobre una base cilíndrica, coronado con una imagen de piedra de un paraguas: un chattra (un símbolo del origen noble de Buda) o una aguja, bajo la cual se guardaban los objetos sagrados. una pequeña cámara en relicarios especiales. A menudo se hacía un desvío circular alrededor de la estupa y toda la estructura estaba rodeada por una cerca.

Un ejemplo clásico de construcciones de este tipo es la Gran Stupa de Sanchi (siglo III a. C.), que tiene un diámetro de 32,3 m en la base y 16,5 m de altura sin chapitel. El edificio es de ladrillo y revestido de piedra. Más tarde, en el s. antes de Cristo e., a su alrededor se erigió una alta cerca de piedra con cuatro puertas - torana. Los barrotes de la valla y las puertas están decorados con relieves y esculturas basadas en las tramas de las leyendas budistas, imágenes de personajes mitológicos, personas y animales.

De finales del siglo II y especialmente en el siglo I. antes de Cristo mi. La arquitectura rupestre está muy desarrollada. El comienzo de la construcción de complejos de cuevas en Kanheri, Karli, Bhaj, Baga, Ajanta, Ellora y otros lugares se remonta a esta época. Inicialmente, se trataba de pequeños claustros monásticos, que se fueron ampliando y con el paso de los siglos se convirtieron en ciudades cueva. En la arquitectura rupestre, se forman los tipos más importantes de construcción de culto budista chaitya y vihara (salas de oración y monasterios).

Las campañas de los griegos en la India (siglo IV a. C.), la formación de los estados indo-griegos y, más tarde, a principios de nuestra era, la invasión de las tribus saka y la creación de un poderoso estado kushan tuvieron un fuerte impacto. sobre el arte indio. Como resultado del fortalecimiento de los lazos políticos, comerciales y culturales de India con los países del Mediterráneo, Asia Central e Irán en ese momento, nuevas tendencias artísticas penetraron en India. Habiendo entrado en contacto con el arte de los países helenizados del Cercano Oriente, la cultura artística india asimiló algunos de los logros del arte clásico, reelaborándolos y repensándolos creativamente, pero al mismo tiempo conservando su originalidad y originalidad.

El complejo proceso de procesamiento creativo de varias influencias artísticas externas en el arte indio de este período se expresa de manera especialmente clara en las obras de las tres escuelas de arte más importantes y significativas de los siglos I-III. norte. mi. - Gandharas, Mathuras y Amaravati.

La escuela de arte de Gandhara, una antigua región del noroeste de la India en el curso medio del Indo, en el área de la moderna Peshawar (ahora en Pakistán), aparentemente surgió a principios de nuestra era, alcanzó su punto máximo en los siglos II-III. y existió en sus ramas posteriores hasta los siglos VI-VIII. La posición geográfica sobre la vía terrestre más importante que conectaba la India con otros países predeterminó el papel de esta zona muy desarrollada desde la antigüedad como conductor y al mismo tiempo filtro de diversas influencias artísticas que llegaban a la India desde el Mediterráneo, desde el Cercano Oriente, de Asia Central y China. La influencia de la cultura espiritual y artística de la India en estos países también penetró a través de Gandhara. Fue aquí donde surgió y se desarrolló un arte profundamente contradictorio, hasta cierto punto ecléctico, que recibió el nombre de "greco-budista", "indo-griego" o simplemente "gandhariano" en la literatura. En cuanto a su contenido, se trata de un arte de culto budista, que narra en imágenes plásticas la vida de Gautama Buda y muchos body-satvas. Su principio indio fundamental se manifestó en una composición siguiendo las tradiciones y cánones desarrollados en el arte budista de períodos anteriores. En la forma artística, en el modelado de formas tridimensionales, la interpretación de rostros, posturas* de ropa, la influencia de ejemplos clásicos de plasticidad helenística afectada. Poco a poco, la corriente clásica se transforma, acercándose a formas puramente indias, pero hasta el final de la existencia de esta escuela, está claramente rastreada en sus obras.

Un lugar muy importante en la historia del arte indio lo ocupa la escuela escultórica de Mathura. Su ascenso en el período Kushan estuvo marcado por una serie de logros artísticos que formaron la base para el desarrollo posterior del arte indio. El canon iconográfico de la imagen de Buda en forma de hombre, creado en Mathura, se difundió posteriormente ampliamente en todo el arte de culto budista.

La escultura de Mathura de la época de su apogeo (siglos II-III) se distingue por la plenitud de la imagen de las formas del cuerpo humano.

La escultura de la escuela Amaravati -la tercera de las escuelas de arte más importantes de este período- revela un sentido de la forma plástica aún más sutil. Esta escuela está representada por numerosos relieves que adornaban la estupa de Amaravati. Su apogeo pertenece a los siglos II-III. Las figuras humanas en sus proporciones son enfáticamente esbeltas, las composiciones de género son aún más vitales.

El período de existencia del poderoso estado de Gupta (siglos IV-VI) está asociado con una nueva era artística, que incluye el desarrollo centenario del antiguo arte indio. En el arte de la era Gupta, se concentraron los logros artísticos de períodos anteriores y las escuelas de arte locales. La “edad de oro del arte indio”, como suele denominarse la era Gupta, creó obras que se han convertido en parte del tesoro del arte mundial.

Relieves de la puerta (torana) de la Gran Stupa en Sanchi

Una construcción amplia y variada está representada por numerosos edificios de templos, tanto de roca como de tierra. Significativamente nuevo en la arquitectura Gupta fue la adición del tipo más simple de templo brahmán primitivo: consistía en una cella de pie sobre una plataforma elevada, de planta cuadrada, cubierta con losas de piedra planas, cuya entrada se hizo en forma de columnata. vestíbulo, también de techo plano. Un ejemplo de tal edificio es el esbelto y elegante Templo No. 7 en Sanchi. En el futuro, aparece un corredor o galería de circunvalación cubierta alrededor del edificio de la cella; en el siglo quinto una superestructura en forma de torre de cornisa aparece sobre la cella, un prototipo del futuro giikhara monumental de los templos brahmanes medievales.

La arquitectura rupestre en esta época vive un nuevo auge. Se está desarrollando un tipo más complejo de estructuras rocosas: un vihara, un monasterio budista. En el plan, el vihara era una gran sala rectangular con columnas con un santuario donde se encontraba una imagen de Buda o una estupa. Numerosas celdas de monjes estaban ubicadas a los lados de la sala. La entrada exterior a tal monasterio tomó la forma de un pórtico de columnas, ricamente decorado con esculturas y pinturas.

Uno de los mayores logros del arte de la era Gupta fueron las pinturas murales de los monasterios rupestres. Su creación estuvo precedida por un largo desarrollo de este género, a partir de la época de los maurianos, pero casi ningún monumento auténtico de la pintura temprana ha llegado hasta nosotros. De los monumentos de pintura mural, los murales mejor conservados de Ajanta son los más famosos, entre los que destaca por su maestría de ejecución la pintura de la cueva nº 17.

Los artistas de Ajanta enriquecieron sus composiciones basadas en leyendas budistas tradicionales con abundancia de género y detalles cotidianos, creando una galería de escenas e imágenes que reflejaban muchos aspectos de la vida cotidiana de la época. La ejecución de los frescos de Ajanta se distingue por una gran habilidad, libertad y confianza en el dibujo y la composición, y un sutil sentido del color. Con todas las limitaciones de los medios visuales por una serie de técnicas canonizadas, la ignorancia de los artistas del claroscuro y la perspectiva correcta, los frescos de Ajanta sorprenden con su vitalidad.

La escultura de este período se distingue por un modelado fino y elegante, suavidad de formas, equilibrio tranquilo de proporciones, gestos y movimientos. Los rasgos de expresividad y fuerza bruta característicos de los monumentos de Bharhuta, Mathura y Amaravati dan paso a una refinada armonía en el arte Gupta. Estas características son especialmente claras en las numerosas estatuas de Buda, inmersas en un estado de serena contemplación. En el tiempo Gupta, las imágenes de Buda finalmente adquieren una apariencia congelada estrictamente canonizada. En otras esculturas, menos conectadas por cánones iconográficos, se conserva con mayor plenitud el sentimiento vivo y la riqueza del lenguaje plástico.

Al final del período Gupta, en los siglos V y VI, se crearon composiciones escultóricas basadas en temas de la mitología brahmán. En estas esculturas vuelven a aparecer rasgos de gran expresividad y dinamismo. Esto se debió al comienzo del proceso de la llamada reacción brahmán y al gradual y cada vez más decisivo alejamiento del budismo por parte de los cultos brahmanes (o más bien, por los cultos del hinduismo).

A principios del siglo VI. el imperio Gupta cayó bajo los golpes de los heftalitas, o hunos blancos, que invadieron desde Asia Central; muchos centros de arte en la India están siendo destruidos y la vida en ellos se está extinguiendo.

Una nueva etapa en la historia del arte indio se remonta a la Alta Edad Media y, en su contenido, se asocia casi exclusivamente al hinduismo.

En la arquitectura medieval temprana de la India, se destacaron dos tendencias principales, que se distinguen por la originalidad de los cánones y las formas. Una de ellas se desarrolló en el norte de la India y en la literatura comúnmente se la denomina escuela del norte o indoaria. El segundo se desarrolló en los territorios al sur del río. Narbada y se la conoce con el nombre de escuela sureña o dravidiana. Estas dos tendencias principales, el norte de la India y el sur de la India, a su vez se dividieron en varias escuelas de arte locales.

Mientras que el sur de la India<жая, или дравидийская, архитектурная школа была связана в этот период лишь с областями восточного побережья Индостанского полуострова, южнее р. Кистны (Кришны), северная-индоарийская школа складывалась и развивалась на большей части территории северной Индии, распространившись даже на некоторые области Декана VII-VIII вв. в истории индийского искусства являются переходной эпохой.

En este momento, las tradiciones artísticas, y en particular las tradiciones de la arquitectura del cuero cabelludo, están experimentando la etapa final de su desarrollo y cesan. Al mismo tiempo, hay un proceso de formación de nuevos cánones, formas y técnicas artísticas relacionadas con las necesidades de la sociedad feudal en desarrollo y su ideología.

El papel de la construcción de suelos está creciendo considerablemente. La aparición de obras arquitectónicas como los rathas monolíticos, pequeños templos en Mahabalipuram y el famoso templo Kailasanatha en Ellora, habla de cambios fundamentales en la arquitectura de la India: estos son edificios de tierra, solo hechos con la técnica tradicional de la arquitectura rupestre.

La arquitectura rupestre budista en Ajanta termina con la creación en el siglo VII. varios viharas. El más famoso es Vihara No. 1, famoso por sus pinturas murales.

De las mundialmente famosas pinturas murales de esta cueva, solo una pequeña parte nos ha llegado, y luego en un estado muy destruido. Los fragmentos supervivientes representan episodios de la vida de Buda, así como numerosas escenas de género, que se distinguen por una gran vitalidad.

Los murales de vihara No. 1, así como otros templos de cuevas de Ajanta, están hechos con la técnica del fresco sobre suelo de alabastro blanco. Las técnicas y medios visuales empleados por los pintores que crearon estos cuadros llevan el sello de la tradición y de cierta canonicidad; a pesar de las limitaciones bastante estrictas de los medios visuales, los artistas de Ajanta lograron incorporar en sus obras todo un mundo de grandes sentimientos, acciones y experiencias humanas, creando pintorescas obras maestras de verdadera importancia mundial.

Los motivos pictóricos de Ajanta son ampliamente utilizados hasta el día de hoy en el trabajo artístico de los pueblos de la India.

Sin embargo, los monasterios de cuevas tradicionales, adaptados a las necesidades de un pequeño número de hermanos monásticos, no satisficieron las necesidades del culto brahmán con sus símbolos complejos y ceremonias llenas de gente. Las dificultades técnicas asociadas al procesamiento de suelos rocosos duros obligaron a buscar nuevas soluciones arquitectónicas y técnicas de construcción. Esta búsqueda condujo a la construcción

Ellora, uno de los famosos complejos de templos en cuevas de la India, se encuentra al suroeste de Ajanta. La construcción comenzó aquí en el siglo V, cuando se excavaron las primeras cuevas budistas. Todo el complejo de templos de Ellora consta de tres grupos: budistas, brahmanes y jainistas.

Creado en la segunda mitad del siglo VIII. El templo Kailasanatha representa un rechazo drástico de los principios básicos de la arquitectura rupestre. Este edificio es una estructura de tierra, realizada con técnicas tradicionales, propias de la arquitectura rupestre. En lugar de una sala subterránea que se adentra en la roca, los constructores tallaron un templo de suelo estructural en el monolito de la roca, cuyo tipo ya había tomado forma en sus características principales en ese momento. Habiendo separado el macizo deseado de la montaña con trincheras, los arquitectos cortaron el templo a partir de los pisos superiores, profundizándose gradualmente hasta el sótano. Toda la rica decoración escultórica se llevó a cabo simultáneamente con la liberación de partes del edificio del macizo rocoso. Este método requería no solo un desarrollo detallado del proyecto de construcción en todas sus partes y sus relaciones, sino también una plasmación extremadamente precisa de las ideas del arquitecto en el material.

La escultura juega un papel dominante en la decoración de los edificios del complejo del templo. La pintura se usa solo en la decoración de interiores. Los fragmentos sobrevivientes dan testimonio del fortalecimiento de los rasgos de esquematismo y convencionalismo en él. Las tradiciones de la pintura monumental, estrechamente asociadas con el budismo, están desapareciendo. La escultura se desarrolla especialmente en la arquitectura hindú.

El tercer monumento importante en la historia de la arquitectura medieval india es el conjunto de templos de Mahabalipuram, ubicado en la costa este al sur de la ciudad de Madrás. Su creación se remonta a mediados del siglo VII. El complejo del templo fue tallado en afloramientos naturales de granito costero. Consta de diez salas con columnas talladas en las rocas, dos de las cuales quedaron sin terminar, y siete templos en el suelo - rathas, tallados en monolitos de granito. Todos los rathas quedaron sin terminar. El más significativo de ellos es el templo de Dharmaraja Ratha.

El conjunto del templo de Mahabalipuram incluye un notable monumento escultórico: el relieve "El descenso del Ganges a la Tierra". Está tallado en una pendiente empinada de una roca de granito y mira hacia el este, hacia el sol naciente. El centro de la trama de la composición es una profunda hendidura vertical, a través de la cual en la antigüedad caía agua de un estanque especial.

Los dioses, personas y animales representados en el relieve aspiran a esta cascada, que personifica vívidamente la leyenda del descenso del río celestial a la tierra, y, al llegar a ella, se congelan en la contemplación atónita del milagro.

Con el carácter estático exterior de las estatuas de dioses, personas y animales, con gran generalización, incluso cierta esquemática en la interpretación de sus figuras, el enorme relieve se llena de vida y movimiento.

La siguiente etapa en el desarrollo de la arquitectura medieval en la India fue la transición final a la construcción mediante mampostería, piedra o ladrillo.

El desarrollo de la arquitectura de las regiones del norte de la India procedió de formas algo diferentes. Aquí se desarrolló un tipo peculiar de construcción de templos, significativamente diferente del tipo sureño descrito anteriormente.

Dentro de la escuela del norte, surgieron varias tendencias arquitectónicas locales, que crearon una serie de soluciones originales para las formas externas e internas del edificio del templo.

La arquitectura del norte de la India se caracteriza por la ubicación de todas las partes del edificio del templo a lo largo del eje principal, que suele ir estrictamente de este a oeste; la entrada al templo estaba ubicada desde el este. En comparación con los del sur, los templos del norte de la India tienen un diseño más desarrollado y complejo: además de los edificios habituales del santuario y la sala principal, a menudo se adjuntan dos pabellones más a este último: el llamado salón de baile y la sala de las ofrendas. En la composición externa del edificio del templo, se suele enfatizar mucho su división en partes. El elemento dominante de la apariencia externa del edificio del templo es la superestructura sobre el edificio del santuario - shikhara con su dinámico contorno curvilíneo; en la arquitectura del norte, primero tomó la forma de una torre más alta que en el sur, de planta cuadrada o casi cuadrada, cuyas caras laterales se elevan rápidamente a lo largo de una parábola de contornos nítidos. El shikhara dirigido hacia arriba se opone al resto del edificio del templo; todos ellos son mucho más bajos, su cubierta suele tener la forma de una pirámide escalonada de suave pendiente.

El templo de roca de Kailasanath. siglo VIII norte. mi.

Quizás la encarnación terminada más llamativa de los cánones de la arquitectura del norte se encontró en las obras de la escuela de arquitectura de Orissa. Esta escuela se desarrolló en el siglo IX. y duró hasta finales del siglo XIII. Los monumentos arquitectónicos más destacados de la escuela de Orissa son el extenso complejo de templos en Bhuvaneshwar, el Templo Jaganath en Puri y el Templo del Sol en Konark.

El conjunto de templos shaivitas en Bhuvaneshwar consta de una gran cantidad de edificios: el primero de ellos se construyó a mediados del siglo VIII, el último, a fines del siglo XIII. El más significativo de ellos. se encuentra el templo de Lingaraja (alrededor del año 1000), que destaca por sus formas monumentales.

El edificio del templo está ubicado en medio de un área rectangular rodeada por un alto muro. Consta de cuatro partes, ubicadas a lo largo del eje principal de este a oeste: la sala de ofrendas, la sala de baile, la sala principal y el santuario. Las divisiones arquitectónicas externas del edificio del templo enfatizan la independencia de cada una de las partes.

El Templo del Sol en Konark es considerado uno de los mayores logros de la escuela de arquitectura de Orissa en términos de diseño audaz y monumentalidad de sus formas. La construcción del templo se llevó a cabo en 1240-1280, pero "nv" se completó. Todo el complejo era un carro solar gigante, un ratha, tirado por siete caballos. Los edificios del templo se colocaron en una plataforma alta, a los lados. de los cuales veinticuatro ruedas y siete figuras escultóricas representaban caballos tirando de un carro.

Torre del templo Lingaraja en Bhuvaneshwar. Orissa, siglo VIII

Los templos de Khajuraho (India central) se crearon con otras formas arquitectónicas. El complejo del templo de Khajuraho se construyó entre 950 y 1050. y consta de templos hindúes y jainistas. Los templos brahmanes de Khajuraho representan un fenómeno peculiar en la historia de la arquitectura india: el diseño y la composición espacial del volumen del edificio del templo aquí tienen una serie de diferencias significativas con respecto a los tipos de estructuras de templos descritos anteriormente.

Los templos en Khajuraho no están rodeados por una valla alta, sino que se elevan por encima del suelo en una plataforma masiva. El edificio del templo se consideró aquí como un todo arquitectónico único, en el que todas las partes se fusionan en una imagen espacial integral. A pesar del tamaño relativamente pequeño de los edificios de este grupo, se distinguen por la armonía de sus proporciones.

La escultura en el período bajo consideración está estrechamente relacionada con la arquitectura y juega un papel muy importante en la decoración de los edificios del templo. Una escultura redonda separada está representada por solo unos pocos monumentos monumentales y pequeñas esculturas de bronce. Según su contenido, escultura india de los siglos VII-XIII. es exclusivamente hindú y se dedica a la interpretación figurativa de leyendas y tradiciones religiosas. También se están produciendo cambios significativos en la interpretación de las formas plásticas con respecto a la escultura de épocas anteriores. En la escultura medieval de la India, desde el comienzo de su desarrollo, aparecen rasgos de mayor expresividad y se difunde cada vez más el deseo de encarnar en la imagen escultórica los diversos aspectos fantásticos característicos de las deidades brahmanes. Estas características estaban ausentes en la escultura del período Kushan y el período Gupta.

Uno de los temas favoritos de la escultura india de la época que se examina son las hazañas de Shiva y su esposa Kali (o Parvati) en sus numerosas encarnaciones.

Las nuevas cualidades artísticas ya se manifiestan claramente en el relieve monumental del Mahishasura-mandapa (principios del siglo VII, Mahabalipuram), que representa la lucha de Kali con el demonio Mahisha. Toda la escena está llena de movimiento: Kali, sentado sobre un león al galope, dispara una flecha a un demonio con cabeza de toro, que, agachado sobre su pierna izquierda, trata de esquivar el golpe; junto a él están sus guerreros caídos y huyendo, impotentes para resistir el furioso ataque de la diosa.

Un ejemplo de cómo comienza a desarrollarse una nueva comprensión de la imagen dentro del marco de la antigua forma de arte es el relieve de la isla de Elefanta, que representa a Shiva el destructor. Shiva de ocho brazos se representa en movimiento, su expresión facial está enojada: las cejas muy arqueadas, una mirada furiosa de ojos muy abiertos, un contorno nítido de una boca entreabierta caracterizan expresivamente el estado emocional del dios. Y al mismo tiempo, las técnicas plásticas utilizadas para realizar este relieve sin duda siguen estando muy relacionadas con las tradiciones de la escultura clásica de la era Gupta: la misma suavidad de las formas escultóricas, un modelado algo generalizado del rostro y la figura, y el aplomo de se conservan los movimientos. La combinación armoniosa de todos estos rasgos, en gran medida, contradictorios, permitió al escultor crear una imagen de gran fuerza interior.

Las cualidades artísticas de la escultura medieval india se desarrollan más plenamente en los templos de los siglos X-XIII. Ejemplos particularmente expresivos son los complejos de templos de Bhuvaneshwar y Khajuraho. Aquí se representaban las figuras de bailarines, músicos, doncellas celestiales, que componían el séquito de los dioses. Con el tiempo, estas imágenes antiguas del arte indio recibieron una interpretación mucho más expresiva, en la que el comienzo del género realista es muy fuerte.La plástica del bronce del sur de la India tiene rasgos artísticos y estilísticos característicos de la escultura india en su conjunto: generalización de la interpretación de formas tridimensionales, la triple curva canónica de la figura humana, la combinación de movimientos dinámicos con el equilibrio armónico de la composición, transferencia sutil de detalles de ropa y joyas. Un ejemplo típico son las numerosas figuras de Shiva Nataraja (Shiva danzante), imágenes de Parvati, Krishna y otras deidades, figurillas de reyes y reinas sacrificiales de la dinastía Chola.

En los siglos XVII-XVIII. Los bronces del sur de la India están perdiendo en gran medida sus cualidades artísticas.

Las principales características y tradiciones del arte brahmán medieval, consideradas en el ejemplo de los monumentos enumerados, recibieron un desarrollo e interpretación artística independientes y originales en numerosas escuelas de arte locales. Especialmente durante mucho tiempo estas tradiciones y cánones vivieron en el extremo sur de la India, en Vijayanagar.

La formación de grandes estados musulmanes en el norte de la India estuvo acompañada de cambios cardinales no solo en la vida política y socioeconómica, sino también en la esfera de la cultura y el arte. Con el surgimiento del Sultanato de Delhi, una nueva gran tendencia en la arquitectura y el arte comenzó a desarrollarse y se fortaleció rápidamente, convencionalmente llamada "indo-musulmana" en la literatura.La interacción de las escuelas de arte medievales en el norte de la India

Irán y Asia Central se pueden rastrear mucho antes. Pero ahora el proceso de interpenetración y entrelazamiento de las tradiciones artísticas de estos países se ha vuelto especialmente intenso.

Desde los primeros monumentos arquitectónicos del Sultanato de Delhi, nos han llegado las ruinas de la mezquita Kuvwat ul-Islam en Delhi (1193-1300) con su famoso minarete Qutub Minar y la mezquita catedral en Ajmir (1210).

La disposición de estas mezquitas se remonta a la disposición tradicional de un patio o mezquita columnada. Pero la composición general de estos edificios atestigua el entrelazamiento cercano, al principio bastante ecléctico, de las tradiciones arquitectónicas de la India y Asia Central. Esto se ve claramente en el ejemplo de la mezquita de Ajmir. De planta casi cuadrada, el vasto patio de la mezquita está rodeado por tres lados por pórticos columnados con cuatro filas de columnas cubiertas con numerosas cúpulas. La sala de oración de la mezquita, formada por seis filas de columnas, se abre al patio con una fachada monumental atravesada por siete arcos de quilla, el medio de los cuales domina el resto. Pero sólo la habilidad de los arquitectos indios en el arte de la mampostería hizo Es posible crear un edificio tan esbelto en proporciones.

De los monumentos posteriores, cabe destacar el mausoleo de Giyas ud-din Tughlaq (1320-1325) en la ciudad de Tughlakabad, cerca de Delhi. Pertenece al tipo de mausoleos de cúpula central muy extendidos en Oriente Medio.

La arquitectura tardía del Sultanato de Delhi se caracteriza por la masividad, la conocida pesadez del aspecto general de los edificios, el rigor y la sencillez de los detalles arquitectónicos.

Las mismas características son inherentes a la arquitectura temprana del Sultanato Bahmanid en Deccan. Pero a partir de principios del siglo XV, con el traslado de la capital a Bidar, aquí se desarrolla una construcción viva y toma forma un estilo local peculiar. Cada vez más claramente hay una tendencia a disfrazar la masa del edificio con decoración decorativa, en la que el papel principal lo juega

paramentos policromados y tallas ornamentales. Los monumentos arquitectónicos más importantes de los bahamáníes son los mausoleos de Ahmed Shah y Ala uddin y la madraza de Mahmud Gavan en Bidar (mediados del siglo XV).

Diosa Parvati. Bronce, siglo XVI

Un monumento destacado de la arquitectura pre-mogol del norte de la India es el mausoleo de Sher Shah en Sasaram (mediados del siglo XVI, Bihar). El enorme octaedro del edificio del mausoleo, cubierto con una enorme cúpula semiesférica, se eleva en la orilla del lago sobre un poderoso zócalo cuadrado, en cuyas esquinas y lados hay grandes y pequeños pabellones abovedados. El aspecto general del edificio, a pesar de su masividad, crea la impresión de volumen y ligereza.

Periodo comprendido entre el siglo XIII y principios del XVI. en la historia de la arquitectura india es de gran importancia. En este momento, hay un proceso complejo de repensar y procesar formas y técnicas arquitectónicas que vinieron de Asia Central e Irán, en el espíritu de las tradiciones artísticas indias locales. En la llamada arquitectura indo-musulmana, la solución plástica tridimensional de la imagen arquitectónica siguió siendo el principio rector.

La ajetreada construcción en el Sultanato de Delhi y otros estados del norte de la India creó en gran medida los requisitos previos para un nuevo florecimiento de la arquitectura y el arte en los siglos XVI-XVIII. bajo los Grandes Mughals.

En la arquitectura mogol se distinguen claramente dos períodos: uno anterior, asociado con las actividades de Akbar, y otro posterior, relacionado principalmente con el reinado de Shah Jehan.

El alcance de la construcción urbana bajo Akbar fue excepcionalmente grande: se construyeron nuevas ciudades: Fatehpur Sikri (años 70 del siglo XVI), Allahabad (años 80-90) y otras. Como resultado de una gran construcción, Agra en los años 60, según los contemporáneos, se convirtió en una de las ciudades más bellas del mundo.

De la gran cantidad de monumentos arquitectónicos de esta época, los más famosos son el mausoleo de Humayun (1572) en Delhi y la mezquita catedral en Fatehpur Sikri.

El mausoleo de Humayun es el primer edificio de este tipo en la arquitectura mogol. En el centro del parque, diseñado de acuerdo con las reglas del arte de parques de Asia Central, se eleva un edificio octogonal del mausoleo sobre una amplia base, construido con piedra arenisca roja y rematado con mármol blanco. La cúpula principal de mármol blanco está rodeada por una serie de pabellones abovedados abiertos.

La arquitectura de los edificios de Fatehpur Sikri ofrece ejemplos de la fusión de elementos de la arquitectura de Asia Central, Irán e India en un estilo arquitectónico único e independiente.

La Mezquita Catedral de Fatehpur Sikri es un rectángulo amurallado orientado hacia los puntos cardinales. Los muros, sordos desde el exterior, están rodeados al norte, este y sur por pórticos columnados. El muro occidental está ocupado por el edificio de la mezquita. Los mausoleos de Sheikh Selim Chishti y Nawab-Islam-Khan se encuentran cerca de la mitad del muro norte, desde el sur está la entrada principal, la llamada Buland-Darvaza, que es un edificio majestuoso en el que las características del monumental estilo de la arquitectura de la era Akbar fueron incorporados. Este edificio fue construido en 1602 para conmemorar la conquista de Gujarat. El sótano está formado por 150 anchos escalones de piedra de un enorme portal, que estaba coronado por una galería calada con cúpulas en miniatura y varios pabellones abovedados en la plataforma superior.

Columna fabricada en acero inoxidable. Delhi

En un período posterior, relacionado principalmente con el reinado de Shah Jehan, continuó la construcción de edificios monumentales. Este período incluye monumentos como la mezquita catedral de Delhi (1644-1658), la Mezquita de la Perla (1648-1655) en el mismo lugar, numerosos edificios palaciegos en Delhi y Agra y el famoso mausoleo del Taj Mahal. Pero en el carácter general de la arquitectura de esta época, hay una desviación del estilo monumental de la época de Akbar y una tendencia hacia el refinamiento de las formas arquitectónicas. El papel del principio decorativo se potencia notablemente. Los pabellones de palacio íntimos con una decoración exquisita y sofisticada se convierten en el tipo predominante de edificios.

La manifestación de estas tendencias se puede ver en el ejemplo del mausoleo de Itimad uddoule en Agra (1622-1628). En el centro del parque se encuentra un edificio de mármol blanco del mausoleo. El arquitecto lo construyó con el espíritu de los pabellones de palacio, abandonando las formas monumentales tradicionales por una estructura de tumba. La ligereza y elegancia de las formas del edificio se destaca por su exquisita decoración.

Ornamento del Qutb Minar (circa 1200, Delhi)

En los numerosos edificios de Shah Jehan en Delhi, llama la atención ante todo la riqueza y variedad de motivos ornamentales.

El pináculo de la arquitectura mogol es el mausoleo Taj Mahal (terminado en 1648) a orillas del Jamna en Agra, construido por Shah Jehan en memoria de su esposa Mumtaz-i-Mahal. El edificio, junto con el zócalo y la cúpula, está hecho de mármol blanco y se alza sobre una enorme plataforma de arenisca roja. Sus formas se distinguen por una excepcional proporcionalidad, equilibrio y suavidad de sus contornos.

El conjunto del mausoleo se complementa con los edificios de la mezquita y el pabellón para reuniones, de pie en los bordes de la plataforma. Delante del conjunto hay un gran parque, cuyos callejones centrales corren a lo largo de un estanque largo y estrecho desde el portal de entrada hasta el mausoleo.

En la segunda mitad del siglo XVII, con un cambio en el curso político interno bajo Aurangzeb, cesó el desarrollo de la arquitectura en el estado mogol.

En la India, en los siglos XVI y XVII, junto con Mughal, hubo una serie de escuelas de arquitectura locales que crearon nuevas soluciones a los temas arquitectónicos tradicionales.. .

En este momento, en Bidar y Bijapur, que durante un tiempo relativamente largo conservaron la independencia de los mogoles, se estaba extendiendo un tipo peculiar de mausoleo de cúpula central, ejemplos típicos de los cuales son el mausoleo de Ali-Barid (siglo XVI) en Bidar y el mausoleo de Ibrahim II (principios del siglo XVII) en Bijapur.

Por los siglos XV-XVIII. incluyen numerosas reconstrucciones de conjuntos de templos jainistas en el monte Girnar, en Shatrunjaya (Gujarat) y en el monte Abu (sur de Rajastán). Muchos de ellos fueron construidos en los siglos X-XI, pero las reconstrucciones posteriores cambiaron mucho su apariencia.

Los templos jainistas solían estar ubicados en el centro de un vasto patio rectangular, rodeado por un muro, a lo largo del perímetro interior del cual había una hilera de celdas. El edificio del templo en sí constaba de un santuario, una sala contigua y una sala de columnas. Los templos jainistas se distinguen por su extraordinaria riqueza y variedad de decoración escultórica y ornamental.

Mausoleo del Taj Mahal. Agra

Los famosos templos del monte Abu están construidos íntegramente con mármol blanco. El templo más famoso es Tejpala (siglo XIII), famoso por su decoración interior y especialmente por la decoración escultórica del techo.

En el sur de la India, los maestros de la arquitectura brahmán tardía en los siglos XVII y XVIII. creó una serie de destacados complejos arquitectónicos. Es en las regiones del sur, especialmente en Vijayanagara, donde las tradiciones artísticas de la escuela Dravidiana o del sur de la India descrita anteriormente, que se desarrollaron sucesivamente aquí desde los siglos VIII al XI, se han conservado más plenamente. En el espíritu de estas tradiciones, se crearon complejos de templos tan extensos como el templo de Jambukeshwara cerca de Tiruchirapalli, el templo de Sundareshwara en Madurai, el templo en Tanjur, etc. Estas son ciudades enteras: en el centro está el templo principal, cuyo edificio a menudo se pierde entre numerosos edificios auxiliares y templos. Varios contornos de pared concéntricos dividen el vasto territorio ocupado por tal conjunto en varias secciones. Por lo general, estos complejos están orientados a lo largo de los puntos cardinales, con el eje principal hacia el oeste. Altas torres de puertas - gopurams - se erigen sobre los muros exteriores, dominando la apariencia general del conjunto. Se ven como una pirámide truncada fuertemente alargada, cuyos planos están densamente cubiertos con esculturas, a menudo pintadas, y tallas ornamentales. Otro elemento característico de la arquitectura brahmán tardía son los extensos estanques para abluciones y las salas que se levantan a los lados con muchos cientos de columnas reflejadas en el agua.

En los siglos XVIII-XIX. En India, hubo una construcción civil bastante extensa. Numerosos castillos y palacios de príncipes feudales, varios edificios significativos en muchas grandes ciudades de la India pertenecen a esta época. Pero la arquitectura de esta época se limita únicamente a la repetición o búsqueda de nuevas combinaciones y variantes de formas arquitectónicas ya trabajadas antes*, que ahora se interpretan cada vez más decorativamente.

Torre del templo en Madurai

Junto con. tradicionalmente indio, se utilizan cada vez más diversos elementos y formas de la arquitectura europea. Estos rasgos de la arquitectura india tardía determinaron su peculiar apariencia bizarra, característica de muchas ciudades de la India, especialmente por sus barrios nuevos.

En la segunda mitad del siglo XIX - principios del siglo XX. un número significativo de edificios oficiales se están construyendo según modelos europeos.

La atenuación de las tradiciones de la pintura mural monumental mencionada anteriormente no significó su cese completo en el arte de los pueblos de la India. Estas tradiciones, aunque en una forma muy modificada, encontraron su continuación en las miniaturas de libros.

Los primeros ejemplos de miniaturas indias medievales que conocemos son las obras de la llamada escuela Gujarati de los siglos XIII-XV. En términos de contenido, son casi en su totalidad ilustraciones de libros religiosos jainistas. Inicialmente se escribieron miniaturas, a modo de libros, sobre hojas de palma, y ​​de los siglos XIV-XV. - en el papel.

La miniatura de Gujarati tiene una serie de rasgos característicos, principalmente en la forma de representar la figura humana: la cara se representó en tres cuartos y los ojos se dibujaron al frente. La nariz larga y puntiaguda sobresalía mucho más allá del contorno de la mejilla. El pecho fue representado como excesivamente alto y redondeado. Las proporciones generales de la figura humana eran marcadamente rechonchas.

En la corte de los Grandes Mogoles, la llamada escuela de miniaturas de Mughal se desarrolló y alcanzó un alto nivel de perfección, cuyos cimientos, según las fuentes, fueron establecidos por los representantes de la escuela de Herat, los artistas Mir Seyid Ali Tabrizi. y Abd al-Samad Mashkhedi. La miniatura mogol alcanzó su apogeo en la primera mitad del siglo XVII, durante el reinado de Jehangir, quien patrocinó especialmente este arte.

Partiendo de las tradiciones de la miniatura medieval clásica de Irán y Asia Central, la miniatura de Mughal en su desarrollo se acercó más que cualquier otra escuela de miniatura oriental a los métodos realistas de pintura. El espíritu de gran interés en el individuo y sus experiencias, que reinaba en la corte de Mughal, y el interés en la vida cotidiana también desempeñó un papel importante en la formación de la miniatura de Mughal. Sin duda, una gran cantidad de retratos y composiciones de género se asocian a esto; es significativo que la miniatura mogol haya conservado para nosotros la mayor cantidad de nombres de artistas y obras firmadas, lo que es relativamente raro en otras escuelas. Junto a los retratos expresivos, ocupan un lugar significativo las imágenes de recepciones palaciegas, festividades y festejos, caza, etc. En el desarrollo de estas tramas, tradicionales para las miniaturas orientales, los artistas mogoles transmiten correctamente la perspectiva, aunque la construyen desde un punto de vista elevado. . Los maestros mogoles lograron una gran perfección al representar animales, pájaros y plantas. Mansur fue un destacado maestro de este género. Dibuja niños con líneas inmaculadamente precisas, dibujando los detalles de su plumaje con los trazos más finos y delicadas transiciones de color.

El apogeo de la miniatura mogol contribuyó al desarrollo a finales de los siglos XVII-XVIII. una serie de escuelas locales de pintura, cuando, con el declive del estado de Mughal, se fortalecieron los principados feudales separados.Por lo general, estas escuelas se denominan el término convencionalmente colectivo Rajput miniatura. Esto incluye las escuelas en miniatura de Rajasthan, Bundelkhand y algunas áreas vecinas.

Miniatura de la escuela mogol, finales del siglo XV. Reconciliación entre Babur y Sultan Amir Mirza cerca de Kokhlin cerca de Samarcanda

Las tramas favoritas de la miniatura de Rajput son episodios del ciclo de leyendas sobre Krishna, de la literatura y poesía épica y mitológica india. Sus rasgos distintivos son un gran lirismo y contemplación. Su estilo artístico se caracteriza por un contorno subrayado, una interpretación plana condicional tanto de la figura humana como del paisaje circundante. El color en una miniatura de Rajput siempre es local.

A mediados del siglo XVIII. las cualidades artísticas de la miniatura Rajput están decayendo, gradualmente se está acercando a la estampa popular popular.

El período colonial en la historia del arte indio fue una época de estancamiento y declive para la mayoría de las formas tradicionales del arte indio medieval. A finales de los siglos XVIII-XIX. las características de la brillante creatividad original se conservan sobre todo en los grabados y pinturas murales populares de la India. En cuanto a su contenido, las pinturas murales y el lubok eran predominantemente arte de culto: se representaban numerosas deidades brahmanes, los episodios de leyendas y tradiciones religiosas, las tramas tomadas de la vida cotidiana eran menos comunes. También son similares en técnicas artísticas: se caracterizan por colores brillantes y saturados (principalmente verde, rojo, marrón, azul), un contorno claro y fuerte y una interpretación plana de la forma.

Uno de los centros significativos de la impresión popular india fue Kalighat cerca de Calcuta, donde en los siglos XIX-XX. se configuró una peculiar escuela de los llamados Kalighat lubok, que tuvo cierta repercusión en la obra de algunos pintores contemporáneos.

En un esfuerzo por suprimir todas las manifestaciones de la cultura nacional india, la administración colonial británica trató de formar un estrato de la población en el país, cuyos representantes, según el plan de los colonialistas, siendo indios de origen, serían británicos en su educación. , educación, moralidad, forma de pensar. La implementación de tal política fue facilitada por varias instituciones educativas para indios, los programas y todo el sistema de enseñanza en el que se construyeron sobre modelos ingleses; algunas escuelas de arte, en particular la Escuela de Arte de Calcuta, se encontraban entre esas instituciones.

A finales del siglo XVIII-principios del siglo XIX. en India, se está desarrollando una dirección específica, a veces llamada. Arte angloindio. Fue creado por artistas europeos que trabajaron en la India y adoptaron algunas de las técnicas de la pintura en miniatura india. Por otro lado, los artistas indios, educados en las tradiciones de las miniaturas indias, pero tomando prestadas las técnicas del dibujo y la pintura europeos, desempeñaron un papel importante en la formación del arte angloindio.

Un representante característico de esta corriente fue Ravi Varman (años 80-90 del siglo XIX), en cuyas obras predominaban los rasgos de sentimentalismo y dulzura. Esta dirección no creó obras significativas y no dejó una marca notable en el arte indio, pero hasta cierto punto contribuyó a un conocimiento más cercano de los artistas indios con las técnicas y técnicas de la pintura y el dibujo europeos.

La formación de un arte nuevo y moderno en la India a principios del siglo XX. asociado con los nombres de E. Havell, O. Tagore y N. Boschu.

E. Havell, quien encabezó en 1895-1905. Escuela de Arte de Calcuta, publicó una serie de obras sobre la historia del arte indio, su contenido y características artísticas y estilísticas.

Miniatura india de la escuela Rajput, siglo XVII. Dios Shiva con su esposa Parvaticheniya y el alto mérito artístico de los monumentos de arte antiguo y medieval de la India. En la práctica artística y pedagógica, E. Havell pidió seguir las formas y métodos tradicionales de las bellas artes indias. Estas ideas de E. Havell resultaron estar en consonancia con las aspiraciones de la intelectualidad india avanzada, que buscaba formas de renacimiento nacional; O. Tagore, una de las figuras más prominentes en el movimiento del llamado renacimiento de Bengala, estaba entre estos últimos.

Una figura pública destacada y un artista destacado, Obonindronath Tagore reunió a un grupo importante de jóvenes intelectuales nacionales a su alrededor y creó varios centros, una especie de universidad, cuya tarea principal era el trabajo práctico de recrear y revivir varias ramas de la cultura artística india. que había caído en decadencia durante la esclavitud colonial de la India.

Otra figura importante en el arte indio de principios del siglo XX. fue el pintor Nondol Boshu, quien buscó crear un nuevo estilo de pintura monumental, basado en las tradiciones de pintar templos en cuevas.

N. Boschu y O. Tagore fueron los fundadores de la dirección conocida como escuela bengalí. En las décadas de 1920 y 1930, la escuela bengalí desempeñó un papel destacado en las artes visuales de la India: la mayoría de los artistas de esa época se unieron a ella.

N. Boschu, O. Tagore y sus seguidores extrajeron las tramas de sus obras principalmente de la mitología y la historia de la India. En sus obras, muy diferentes en forma y estilo, había mucha contradicción. Entonces, O. Tagore en sus imitaciones de la miniatura de Mughal combinó las técnicas características de la misma con las técnicas de la pintura europea y japonesa. El trabajo de los artistas de la escuela bengalí en su conjunto se distingue por las características del romanticismo. Pero a pesar de una serie de debilidades en su trabajo, su orientación ideológica, el deseo de revivir la pintura nacional, la apelación a tramas y temas puramente indios, combinados con una emotividad e individualidad enfatizadas, de manera artística, determinaron el éxito y la popularidad de la pintura. escuela creada por O. Tagore y N. Bosch. Muchos maestros modernos bien conocidos de la generación anterior, como S. Ukil, D. Roy Chowdhury, B. Sen y otros, surgieron de él o experimentaron su fuerte influencia.

Un fenómeno brillante y peculiar es el trabajo de Amrita Sher-Gil. Habiendo recibido una educación artística en Italia y Francia, la artista, al regresar a la India a fines de la década de 1920, tomó una posición completamente diferente en comparación con la escuela bengalí, que ella negó. Los temas favoritos del artista son la vida cotidiana del campesinado indio en sus diversas manifestaciones. Al introducir este tema en el arte indio, A. Sher-Gil en sus obras se esforzó por mostrar la difícil situación de la gente común de la India en ese momento, por lo que muchas de sus obras se caracterizan por un toque de tragedia y desesperanza. La artista ha desarrollado un estilo propio, brillantemente individual, caracterizado por una gran generalización de la línea y una forma básicamente realista. Su trabajo, que no ganó popularidad durante la vida del artista, fue apreciado solo en los años de la posguerra e influyó en muchos artistas indios contemporáneos.

La conquista de la independencia de la India creó los requisitos previos para un nuevo auge y desarrollo de la arquitectura y las bellas artes, aunque la secesión de Pakistán provocó el aislamiento de importantes fuerzas artísticas.

"Descanso" (de una pintura de la artista Amrita Sher-Gil)

La vida artística contemporánea en la India es extremadamente diversa, “compleja y contradictoria. Numerosas corrientes y escuelas se entrelazan en él, y hay una intensa búsqueda de formas de mayor desarrollo y mejora. Las bellas artes indias atraviesan ahora un período de aguda lucha ideológica y artística; hay un proceso de plegado, formación de un nuevo arte nacional original, que hereda todas las mejores tradiciones de la cultura artística india centenaria y se esfuerza por dominar y reelaborar creativamente las técnicas artísticas y los medios de las últimas tendencias en el arte mundial.

Aparece una corriente en la arquitectura india moderna, que se esfuerza por crear un nuevo estilo nacional recuperando y utilizando las formas y elementos de la arquitectura antigua, principalmente del período Gupta / Junto con esta tendencia estilística, la escuela de arquitectura moderna de Corbusier ahora está muy extendida en India; El propio Corbusier desarrolló el diseño y la arquitectura de los edificios de Chandigarh, la nueva capital del este de Punjab, construyó una serie de edificios públicos y privados en Ahmedabad y otras ciudades. Muchos jóvenes arquitectos indios están trabajando en la misma dirección.

En las bellas artes indias modernas, se han generalizado varias tendencias "ultramodernas", modernistas y abstraccionistas, espiritualmente afines a las corrientes formalistas extremas del arte burgués de Europa occidental y América. A menudo, las tendencias abstraccionistas en el trabajo de los artistas indios se entrelazan con técnicas decorativas y estilísticas. Estos momentos son especialmente brillantes en las obras de maestros como J. Keith, K. Ara, M. Husain, A. Ahmad y otros.

“Se hacen a la mar” (de una pintura del artista Hiren Dash)

Otra dirección en la pintura también está muy extendida, girando en busca de formas de revivir el arte nacional a los famosos monumentos de la India antigua y medieval. Continuando con las tradiciones de la escuela bengalí, en las pinturas rupestres de Ajanta y Baga, en las miniaturas de Mughal y Rajput, en la estampa popular popular, no sólo las tramas y temas de sus obras, sino también nuevos, aún inexplorados, pictóricos, técnicos y técnicas compositivas. Junto a composiciones simbólicas e histórico-mitológicas, también desarrollan en sus pinturas temas de la vida popular. Su manera artística se caracteriza por una interpretación convencionalmente decorativa generalizada de la forma. Un ejemplo expresivo es el trabajo de Jamini Roy, un artista de la generación anterior y uno de los maestros más importantes de esta dirección. Trabajando en el período inicial de la creatividad a la manera de la escuela bengalí, luego recurre a sus búsquedas en la impresión popular popular y desarrolla un contorno claro y suavemente redondeado, una forma simple y fuerte, monumentalidad y concisión de la composición, colorido estricto, característica de sus obras posteriores. Artistas tan destacados como M. Day, S. Mukherjee, K. Srinivasalu y otros trabajan con el mismo espíritu, pero cada uno a su manera individual.Las técnicas de pintura realistas no les son ajenas.

“Círculo tras círculo” (de una pintura del artista K. K. Hebbar)

Junto a las tendencias señaladas en el arte indio, crece y cobra fuerza una tendencia que desarrolla temas de la vida cotidiana moderna de los pueblos de la India utilizando medios realistas. En las obras de los artistas de esta tendencia, las imágenes de la gente común de la India se reflejan con gran expresividad, amor y calidez, las características de su vida y actividad laboral se transmiten de manera muy poética y vital. Estas son las obras gráficas y pintorescas: A. Mukherjee ("Estanque en el pueblo"), *S. N. Banerji ("Replantar plántulas de arroz"), B.N. Jija ("La belleza de Malabar"), B. Sena ("Estanque mágico"), X. Dasa ("Ir al mar"), K.K. Hebbar ("Círculo después círculo"), A. Bose (retrato de R. Tagore), escultura de C. Kara (retrato de M. K. Gandhi) y muchos otros".

Estas direcciones principales lejos de agotar la diversidad de movimientos artísticos y la originalidad individual del trabajo de los artistas indios. Muchos maestros en su búsqueda creativa de nuevas formas utilizan un arsenal muy amplio de medios visuales y crean obras en una variedad de maneras, a menudo contradictorias.

Las artes visuales en la India atraviesan ahora un período de vigorosas búsquedas en el campo del contenido ideológico y la forma artística. La clave de su desarrollo exitoso y fructífero es la estrecha conexión de los principales artistas de la India con la vida y las aspiraciones del pueblo indio, “con el movimiento de la humanidad hacia la paz y el progreso.

En estos salones, los bailarines del templo realizaban danzas rituales.

En el territorio de la mezquita se encuentra la famosa columna de acero inoxidable que data de los siglos IV-V. norte. mi. Muchos indios creen que tendrán suerte si pueden envolver sus brazos alrededor del pilar de espaldas a él.