L'arte dell'antica India La cultura dell'India è una delle culture più antiche dell'umanità, in continuo sviluppo da diversi millenni. Durante questo periodo, numerosi popoli che abitavano il territorio dell'India hanno creato opere letterarie e artistiche altamente artistiche.

Le prime opere d'arte indiana a noi note risalgono al periodo neolitico. I ritrovamenti archeologici effettuati nella valle dell'Indo hanno rivelato culture antiche. La società di quel tempo era al livello delle prime relazioni di classe. I monumenti ritrovati testimoniano lo sviluppo della produzione artigianale, la presenza della scrittura, nonché i rapporti commerciali con l'estero. Le prime opere d'arte indiana a noi note risalgono al periodo neolitico. I ritrovamenti archeologici effettuati nella valle dell'Indo hanno rivelato culture antiche. La società di quel tempo era al livello delle prime relazioni di classe. I monumenti ritrovati testimoniano lo sviluppo della produzione artigianale, la presenza della scrittura, nonché i rapporti commerciali con l'estero. Fusione in bronzo, gioielleria e arti applicate si distinguono per la grande maestria.

Gli scavi hanno portato alla luce città con un rigido tracciato di strade che correvano parallele da est a ovest e da nord a sud. Le città erano circondate da mura, gli edifici erano costruiti piani alti, da mattoni cotti, intonacati con argilla e gesso. Si sono conservati i ruderi di palazzi, edifici pubblici e vasche per le abluzioni religiose; il sistema di drenaggio di queste città era il più perfetto del mondo antico. Gli scavi hanno portato alla luce città con un rigido tracciato di strade che correvano parallele da est a ovest e da nord a sud. Le città erano circondate da mura, gli edifici erano costruiti piani alti, da mattoni cotti, intonacati con argilla e gesso. Si sono conservati i ruderi di palazzi, edifici pubblici e vasche per le abluzioni religiose; il sistema di drenaggio di queste città era il più perfetto del mondo antico.

Anche le statuette sono caratteristiche dell'antica cultura artistica. La statuina di un sacerdote, probabilmente destinata a scopi di culto, è realizzata in steatite bianca ed eseguita con un alto grado di convenzionalità. Gli abiti che coprono tutto il corpo sono decorati con trifogli, che potrebbero essere stati segni magici. Un viso con labbra molto grandi, una barba corta raffigurata convenzionalmente, una fronte sfuggente e occhi oblunghi bordati di pezzi di conchiglie, nel tipo, ricordano sculture sumere appartenenti allo stesso periodo.

La ricca natura dell'India è descritta in miti e leggende con immagini vivide. “Il re delle montagne rabbrividì per le raffiche di vento ... e, coperto di alberi ricurvi, fece cadere una pioggia di fiori. E le vette di quella montagna, scintillanti di pietre preziose e oro, e che adornano la grande montagna, sparse in tutte le direzioni. Numerosi alberi spezzati da quel ramo brillavano di colori dorati, come nuvole trafitte da un fulmine. E quegli alberi, tempestati d'oro, che si univano alle rocce quando cadevano, sembravano lì come colorati dai raggi del sole. E le vette di quella montagna, scintillanti di pietre preziose e oro, e che adornano la grande montagna, sparse in tutte le direzioni. Numerosi alberi spezzati da quel ramo brillavano di colori dorati, come nuvole trafitte da un fulmine. E quegli alberi, tempestati d'oro, che si univano alle rocce quando cadevano, sembravano lì colorati dai raggi del sole ”(“ Mahabharata ”). ("Mahabharata").

L'emergere del buddismo portò all'emergere di pietra edifici religiosi... Sotto Ashoka furono costruiti numerosi templi e monasteri, furono scolpiti precetti morali buddisti e sermoni. In questi luoghi di culto erano ampiamente utilizzate le tradizioni architettoniche già consolidate. La scultura che adornava i templi rifletteva le più antiche leggende, miti e idee religiose; Il buddismo ha assorbito quasi l'intero pantheon delle divinità braminiche. L'emergere del buddismo portò all'emergere di pietra edifici religiosi... Sotto Ashoka furono costruiti numerosi templi e monasteri, furono scolpiti precetti morali buddisti e sermoni. In questi luoghi di culto erano ampiamente utilizzate le tradizioni architettoniche già consolidate. La scultura che adornava i templi rifletteva le più antiche leggende, miti e idee religiose; Il buddismo ha assorbito quasi l'intero pantheon delle divinità braminiche. Gli stupa erano uno dei principali tipi di monumenti religiosi buddisti. Gli antichi stupa erano strutture emisferiche costruite in mattoni e pietra, prive di spazio interno, di aspetto ascendente verso antiche colline sepolcrali. Lo stupa è stato eretto su una base rotonda, in cima alla quale è stata fatta una deviazione circolare. In cima allo stupa era posta una "casa di Dio" cubica, ovvero un reliquiario di metallo prezioso (oro, ecc.). Sopra il reliquiario si ergeva un'asta, coronata da ombrelli discendenti, simboli della nobile nascita del Buddha. Lo stupa simboleggiava il nirvana. Lo scopo dello stupa era conservare le reliquie sacre. Gli stupa furono costruiti in luoghi associati, secondo la leggenda, alle attività del Buddha e dei santi buddisti. Il monumento più antico e più prezioso è lo stupa Sanchi, costruito sotto Ashok nel III secolo a.C. aC, ma nel I sec. AVANTI CRISTO. ampliato e circondato da un recinto in pietra con 4 cancelli. L'altezza totale dello stupa a Sanchi è di 16,5 m, e all'estremità dell'asta è di 23,6 m, il diametro della base è di 32,3 m. Lo stupa Sanchi era costruito in mattoni e rivestito esternamente in pietra, su cui era originariamente applicato uno strato di intonaco con rilievi incisi di contenuto buddista. Di notte, lo stupa era illuminato da lampade. Gli stupa erano uno dei principali tipi di monumenti religiosi buddisti. Gli antichi stupa erano strutture emisferiche costruite in mattoni e pietra, prive di spazio interno, di aspetto ascendente verso antiche colline sepolcrali. Lo stupa è stato eretto su una base rotonda, in cima alla quale è stata fatta una deviazione circolare. In cima allo stupa era posta una "casa di Dio" cubica, ovvero un reliquiario di metallo prezioso (oro, ecc.). Sopra il reliquiario si ergeva un'asta, coronata da ombrelli discendenti, simboli della nobile nascita del Buddha. Lo stupa simboleggiava il nirvana. Lo scopo dello stupa era conservare le reliquie sacre. Gli stupa furono costruiti in luoghi associati, secondo la leggenda, alle attività del Buddha e dei santi buddisti. Il monumento più antico e più prezioso è lo stupa Sanchi, costruito sotto Ashok nel III secolo a.C. aC, ma nel I sec. AVANTI CRISTO. ampliato e circondato da un recinto in pietra con 4 cancelli. L'altezza totale dello stupa a Sanchi è di 16,5 m, e all'estremità dell'asta è di 23,6 m, il diametro della base è di 32,3 m. Lo stupa Sanchi era costruito in mattoni e rivestito esternamente in pietra, su cui era originariamente applicato uno strato di intonaco con rilievi incisi di contenuto buddista. Di notte, lo stupa era illuminato da lampade. Grande stupa a Sanchi. 3 dentro. AVANTI CRISTO e.

Il recinto di pietra attorno allo stupa di Sanchi è stato creato come un antico recinto di legno, e le sue porte erano orientate lungo i quattro punti cardinali. I cancelli in pietra di Sanchi sono completamente ricoperti di sculture, non c'è quasi nessun posto dove la pietra rimarrebbe liscia. Questa scultura ricorda l'intaglio su legno e avorio, e non è un caso che gli stessi artigiani popolari lavorassero come intagliatori di pietre, legno e ossa nell'antica India. Le porte sono due pilastri massicci, che portano tre traverse che le attraversano in alto, poste una sopra l'altra. Sull'ultima traversa superiore sono state poste figure di geni guardiani e simboli buddisti, ad esempio la ruota è un simbolo della predicazione buddista. La figura del Buddha non era ancora raffigurata durante questo periodo. Il recinto di pietra attorno allo stupa di Sanchi è stato creato come un antico recinto di legno, e le sue porte erano orientate lungo i quattro punti cardinali. I cancelli in pietra di Sanchi sono completamente ricoperti di sculture, non c'è quasi nessun posto dove la pietra rimarrebbe liscia. Questa scultura ricorda l'intaglio su legno e avorio, e non è un caso che gli stessi artigiani popolari lavorassero come intagliatori di pietre, legno e ossa nell'antica India. Le porte sono due pilastri massicci, che portano tre traverse che le attraversano in alto, poste una sopra l'altra. Sull'ultima traversa superiore sono state poste figure di geni guardiani e simboli buddisti, ad esempio la ruota è un simbolo della predicazione buddista. La figura del Buddha non era ancora raffigurata durante questo periodo.

Le figure scultoree di ragazze "yakshini", spiriti della fertilità, che ondeggiano sui rami, poste nelle parti laterali del cancello, sono insolitamente poetiche. Dalle forme antiche primitive e condizionali, l'arte in questo periodo ha fatto un lungo passo avanti. Ciò si manifesta principalmente in un realismo, plasticità e armonia delle forme incomparabilmente maggiori. L'intero aspetto degli yakshini, le loro braccia e gambe ruvide e grandi, decorate con numerosi braccialetti massicci, seni forti, rotondi, molto alti, fianchi fortemente sviluppati sottolineano la forza fisica di queste ragazze, come se fossero ubriache dei succhi della natura, elasticamente dondolando sui rami. I rami, che le giovani dee afferrano con le mani, si piegano sotto il peso dei loro corpi. I movimenti delle figure sono belli e armoniosi. Queste immagini femminili, dotate di caratteristiche vitali e popolari, si trovano costantemente nei miti dell'antica India e vengono confrontate con un albero flessibile o un giovane germoglio violento, poiché incarnano le potenti forze creative della natura divinizzata. La sensazione di potere elementale è insita in tutte le immagini della natura nella scultura Mauryan. Le figure scultoree di ragazze "yakshini", spiriti della fertilità, che ondeggiano sui rami, poste nelle parti laterali del cancello, sono insolitamente poetiche. Dalle forme antiche primitive e condizionali, l'arte in questo periodo ha fatto un lungo passo avanti. Ciò si manifesta principalmente in un realismo, plasticità e armonia delle forme incomparabilmente maggiori. L'intero aspetto degli yakshini, le loro braccia e gambe ruvide e grandi, decorate con numerosi braccialetti massicci, seni forti, rotondi, molto alti, fianchi fortemente sviluppati sottolineano la forza fisica di queste ragazze, come se fossero ubriache dei succhi della natura, elasticamente dondolando sui rami. I rami, che le giovani dee afferrano con le mani, si piegano sotto il peso dei loro corpi. I movimenti delle figure sono belli e armoniosi. Queste immagini femminili, dotate di caratteristiche vitali e popolari, si trovano costantemente nei miti dell'antica India e vengono confrontate con un albero flessibile o un giovane germoglio violento, poiché incarnano le potenti forze creative della natura divinizzata. La sensazione di potere elementale è insita in tutte le immagini della natura nella scultura Mauryan.

Stambha Il secondo tipo di edifici religiosi monumentali erano gli stambha pilastri monolitici in pietra, solitamente completati da un capitello sormontato da una scultura. Sul pilastro erano scolpiti editti e prescrizioni religiose e morali buddiste. La parte superiore del pilastro era decorata con un capitello a forma di loto recante sculture di simbolici animali sacri. Tali pilastri di periodi precedenti sono noti da antiche immagini sui sigilli. I pilastri eretti sotto Ashoka sono decorati con simboli buddisti e, secondo il loro scopo, dovrebbero svolgere il compito di glorificare lo stato e propagare le idee del buddismo. Quindi, quattro leoni, collegati per la schiena, sostengono una ruota buddista su un pilastro di Sarnath. La capitale Sarnath è fatta di arenaria levigata; tutte le immagini realizzate su di esso riproducono motivi tradizionali indiani. Le figure in rilievo di un elefante, un cavallo, un toro e un leone sono poste sull'abaco, a simboleggiare i paesi del mondo. Gli animali sul rilievo sono resi vividamente, le loro pose sono dinamiche e libere. Le figure dei leoni in cima al capitello sono più convenzionali e decorative. Essendo un simbolo ufficiale di potere e grandezza reale, differiscono in modo significativo dai rilievi di Sanchi. Il secondo tipo di edifici religiosi monumentali erano pilastri monolitici in pietra stambha, solitamente completati da un capitello sormontato da una scultura. Sul pilastro erano scolpiti editti e prescrizioni religiose e morali buddiste. La parte superiore del pilastro era decorata con un capitello a forma di loto recante sculture di simbolici animali sacri. Tali pilastri di periodi precedenti sono noti da antiche immagini sui sigilli. I pilastri eretti sotto Ashoka sono decorati con simboli buddisti e, secondo il loro scopo, dovrebbero svolgere il compito di glorificare lo stato e propagare le idee del buddismo. Quindi, quattro leoni, collegati per la schiena, sostengono una ruota buddista su un pilastro di Sarnath. La capitale Sarnath è fatta di arenaria levigata; tutte le immagini realizzate su di esso riproducono motivi tradizionali indiani. Le figure in rilievo di un elefante, un cavallo, un toro e un leone sono poste sull'abaco, a simboleggiare i paesi del mondo. Gli animali sul rilievo sono resi vividamente, le loro pose sono dinamiche e libere. Le figure dei leoni in cima al capitello sono più convenzionali e decorative. Essendo un simbolo ufficiale di potere e grandezza reale, differiscono in modo significativo dai rilievi di Sanchi. Capitale del leone di Sarnath. Arenaria. Altezza 2,13 m.3 pollici AVANTI CRISTO e. Sarnat. Museo.

Chaitya Durante il regno di Ashoka, inizia la costruzione di templi rupestri buddisti. I templi e i monasteri buddisti erano scolpiti direttamente nelle masse rocciose e talvolta rappresentavano grandi complessi di templi. Gli ambienti severi e maestosi dei templi, di solito divisi da due file di colonne in tre navate, erano decorati con sculture tonde, sculture in pietra e dipinti. Uno stupa è stato collocato all'interno del tempio, situato nelle profondità della chaitya, di fronte all'ingresso. Diversi piccoli templi rupestri sono stati conservati dai tempi di Ashoka. Nell'architettura di questi templi, come in altre strutture in pietra del periodo Maurya, hanno influito le tradizioni dell'architettura in legno (principalmente nella lavorazione delle facciate). Sulla facciata sono riprodotti in pietra un arco a forma di chiglia sopra l'ingresso, sporgenze di travi e persino intagli a traliccio traforato. A Lomas-Rishi, sopra l'ingresso, in uno stretto spazio di una cintura situata a semicerchio, c'è un'immagine in rilievo di elefanti che adorano gli stupa. Le loro figure sovrappeso con movimenti ritmici e morbidi ricordano i rilievi dei cancelli di Sanchi, realizzati due secoli dopo. Durante il regno di Ashoka, inizia la costruzione di templi rupestri buddisti. I templi e i monasteri buddisti erano scolpiti direttamente nelle masse rocciose e talvolta rappresentavano grandi complessi di templi. Gli ambienti severi e maestosi dei templi, di solito divisi da due file di colonne in tre navate, erano decorati con sculture tonde, sculture in pietra e dipinti. Uno stupa è stato collocato all'interno del tempio, situato nelle profondità della chaitya, di fronte all'ingresso. Diversi piccoli templi rupestri sono stati conservati dai tempi di Ashoka. Nell'architettura di questi templi, come in altre strutture in pietra del periodo Maurya, hanno influito le tradizioni dell'architettura in legno (principalmente nella lavorazione delle facciate). Sulla facciata sono riprodotti in pietra un arco a forma di chiglia sopra l'ingresso, sporgenze di travi e persino intagli a traliccio traforato. A Lomas-Rishi, sopra l'ingresso, in uno stretto spazio di una cintura situata a semicerchio, c'è un'immagine in rilievo di elefanti che adorano gli stupa. Le loro figure sovrappeso con movimenti ritmici e morbidi ricordano i rilievi dei cancelli di Sanchi, realizzati due secoli dopo.

Il maestoso interno della chaitya è decorato con due file di colonne. Le colonne monolitiche ottagonali con rigonfi capitelli sfaccettati sono completate da simbolici gruppi scultorei di elefanti inginocchiati su cui sono sedute figure maschili e femminili. La luce che entra dalla finestra a chiglia illumina la chaitya. In precedenza, la luce era diffusa da file di reticoli di legno decorati, che aumentavano ulteriormente l'atmosfera di mistero. Ma anche adesso, parlando nel crepuscolo, le colonne sembrano muoversi verso lo spettatore. Gli attuali corridoi sono così stretti che non c'è quasi spazio dietro le colonne Le pareti del vestibolo davanti all'ingresso all'interno della chaitya sono decorate con sculture. Ai piedi delle mura si trovano massicce figure di elefanti sacri, eseguite ad altorilievo. Superata questa parte del tempio, come se iniziassero alla storia della vita del Buddha e preparassero un certo stato d'animo di preghiera, i pellegrini si ritrovarono nello spazio misterioso e semioscuro del santuario con pareti lucide e pavimenti lucidi come il vetro , in cui si rifletteva il bagliore della luce. Chaitya a Karli è una delle strutture architettoniche più belle dell'India di questo periodo. Ha manifestato chiaramente l'originalità dell'arte antica e le caratteristiche dell'iconica architettura indiana. La scultura dei templi rupestri di solito funge da armoniosa aggiunta ai dettagli architettonici della facciata, dei capitelli, ecc. Un esempio lampante della scultura decorativa dei templi rupestri è il già citato disegno dei capitelli chaitya, che forma una sorta di fregio su una fila delle colonne della sala. Chaitya a Karli. Vista interna. 1 poll. AVANTI CRISTO e.

Gli interni dei templi di Ajanta sono ricoperti quasi interamente da dipinti monumentali. In questi murales, i maestri che vi hanno lavorato hanno espresso con grande forza la ricchezza, la favolosità e la bellezza poetica della loro fantasia artistica, che è riuscita a incarnare sentimenti umani viventi e vari fenomeni della vita reale dell'India. I murales coprono sia il soffitto che le pareti. Le loro trame sono leggende della vita di Buddha, intrecciate con antiche scene mitologiche indiane. Immagini di persone, fiori e uccelli, animali e piante sono dipinte con grande maestria. Dalle immagini grossolane e potenti del periodo Ashoka, l'arte si è evoluta in spiritualità, morbidezza ed emotività. L'immagine del Buddha, data molte volte nelle sue reincarnazioni, è circondata da molte scene di genere che sono essenzialmente di natura secolare. I dipinti sono pieni delle osservazioni più vivaci e dirette e forniscono un ricco materiale per studiare la vita dell'antica India. Gli interni dei templi di Ajanta sono ricoperti quasi interamente da dipinti monumentali. In questi murales, i maestri che vi hanno lavorato hanno espresso con grande forza la ricchezza, la favolosità e la bellezza poetica della loro fantasia artistica, che è riuscita a incarnare sentimenti umani viventi e vari fenomeni della vita reale dell'India. I murales coprono sia il soffitto che le pareti. Le loro trame sono leggende della vita di Buddha, intrecciate con antiche scene mitologiche indiane. Immagini di persone, fiori e uccelli, animali e piante sono dipinte con grande maestria. Dalle immagini grossolane e potenti del periodo Ashoka, l'arte si è evoluta in spiritualità, morbidezza ed emotività. L'immagine del Buddha, data molte volte nelle sue reincarnazioni, è circondata da molte scene di genere che sono essenzialmente di natura secolare. I dipinti sono pieni delle osservazioni più vivaci e dirette e forniscono un ricco materiale per studiare la vita dell'antica India. Frammento del dipinto del tempio rupestre 17 ad Ajanta. Fine V sec. N. e.

Un eccellente esempio dell'abilità dei pittori di Ajanta è la famosa figura di una ragazza inchinata del tempio 2, piena di grazia, grazia e tenera femminilità. Un eccellente esempio dell'abilità dei pittori di Ajanta è la famosa figura di una ragazza inchinata del tempio 2, piena di grazia, grazia e tenera femminilità.

Il dipinto nel tempio 17 raffigura Indra che vola, accompagnato da musicisti e fanciulle celesti "apsaras". La sensazione del volo è trasmessa da nuvole blu, bianche e rosate che turbinano su uno sfondo scuro, tra le quali si librano Indra ei suoi compagni. Le gambe, le braccia ei capelli di Indra e delle bellissime fanciulle celesti sono adornati di gioielli. L'artista, cercando di trasmettere la spiritualità e la grazia squisita delle immagini delle divinità, le ha raffigurate con occhi semichiusi allungati, delineati da sottili linee di sopracciglia, con una bocca minuscola e un viso ovale morbido, arrotondato e liscio. In sottili dita ricurve, Indra e le fanciulle celesti tengono i fiori. Rispetto alle figure un po' convenzionali e idealizzate degli dei, i servi ei musicisti di questa composizione sono raffigurati in maniera più realistica, con volti vivaci, ruvidi ed espressivi. I corpi delle persone sono dipinti con una calda vernice marrone, solo Indra è raffigurato dalla pelle bianca. Il fogliame verde scuro denso e succoso delle piante e le macchie luminose dei fiori conferiscono una maggiore sonorità al colore. Un ruolo decorativo significativo nella pittura di Ajanta è svolto dalla linea, che è inseguita e netta, oppure morbida, ma immancabilmente dà volume ai corpi. Il dipinto nel tempio 17 raffigura Indra che vola, accompagnato da musicisti e fanciulle celesti "apsaras". La sensazione del volo è trasmessa da nuvole blu, bianche e rosate che turbinano su uno sfondo scuro, tra le quali si librano Indra ei suoi compagni. Le gambe, le braccia ei capelli di Indra e delle bellissime fanciulle celesti sono adornati di gioielli. L'artista, cercando di trasmettere la spiritualità e la grazia squisita delle immagini delle divinità, le ha raffigurate con occhi semichiusi allungati, delineati da sottili linee di sopracciglia, con una bocca minuscola e un viso ovale morbido, arrotondato e liscio. In sottili dita ricurve, Indra e le fanciulle celesti tengono i fiori. Rispetto alle figure un po' convenzionali e idealizzate degli dei, i servi ei musicisti di questa composizione sono raffigurati in maniera più realistica, con volti vivaci, ruvidi ed espressivi. I corpi delle persone sono dipinti con una calda vernice marrone, solo Indra è raffigurato dalla pelle bianca. Il fogliame verde scuro denso e succoso delle piante e le macchie luminose dei fiori conferiscono una maggiore sonorità al colore. Un ruolo decorativo significativo nella pittura di Ajanta è svolto dalla linea, che è inseguita e netta, oppure morbida, ma immancabilmente dà volume ai corpi.

La percezione mitologica, vivida e figurativa della natura, unita alla narrazione nelle scene di genere (sebbene su soggetti religiosi) sono caratteristiche di questi dipinti. Il genere nell'interpretazione delle storie religiose testimonia il desiderio di collegare l'antica mitologia con la realtà.

Buddha Soggetti buddisti di sculture Gandhara e rilievi scultorei che adornavano le pareti di monasteri e templi sono molto diversi e occupano un posto speciale nell'arte indiana. I soggetti buddisti delle sculture Gandhara e dei rilievi scultorei che adornavano le pareti di monasteri e templi sono molto diversi e occupano un posto speciale nell'arte indiana. Nuova era l'immagine del Buddha nella forma di un uomo, che non era mai stata vista prima nell'arte dell'India. Allo stesso tempo, a immagine di Buddha e di altre divinità buddiste, si incarnava l'idea di una personalità ideale, nella cui forma si combinano armoniosamente la bellezza fisica e un esaltato stato spirituale di pace e chiara contemplazione. Nella scultura di Gandhara, alcune caratteristiche dell'arte dell'antica Grecia si sono fuse organicamente con immagini e tradizioni ricche e purosangue dell'antica India. Un esempio è il rilievo del Museo di Calcutta raffigurante la visita di Indra al Buddha nella grotta di Bodhgaya. Come in una scena simile nei rilievi di Sanchi, Indra con il suo seguito si avvicina alla grotta, incrociando le mani in preghiera; anche la scena di genere narrativo attorno alla figura del Buddha ha un carattere inerente alle precedenti sculture dell'India. Ma, a differenza della composizione di Sanchi, il posto centrale nel rilievo di Calcutta è occupato dalla figura calma e maestosa del Buddha, seduto in una nicchia, con la testa circondata da un'aureola. Le pieghe dei suoi vestiti non nascondono il corpo e ricordano gli abiti degli dei greci. Attorno alla nicchia sono raffigurati vari animali, a simboleggiare la solitudine del luogo dell'eremo. Il significato dell'immagine del Buddha è sottolineato dall'immobilità della posa, dal rigore delle proporzioni e dalla mancanza di connessione tra la figura e l'ambiente. Nuova era l'immagine del Buddha nella forma di un uomo, che non era mai stata vista prima nell'arte dell'India. Allo stesso tempo, a immagine di Buddha e di altre divinità buddiste, si incarnava l'idea di una personalità ideale, nella cui forma si combinano armoniosamente la bellezza fisica e un esaltato stato spirituale di pace e chiara contemplazione. Nella scultura di Gandhara, alcune caratteristiche dell'arte dell'antica Grecia si sono fuse organicamente con immagini e tradizioni ricche e purosangue dell'antica India. Un esempio è il rilievo del Museo di Calcutta raffigurante la visita di Indra al Buddha nella grotta di Bodhgaya. Come in una scena simile nei rilievi di Sanchi, Indra con il suo seguito si avvicina alla grotta, incrociando le mani in preghiera; anche la scena di genere narrativo attorno alla figura del Buddha ha un carattere inerente alle precedenti sculture dell'India. Ma, a differenza della composizione di Sanchi, il posto centrale nel rilievo di Calcutta è occupato dalla figura calma e maestosa del Buddha, seduto in una nicchia, con la testa circondata da un'aureola. Le pieghe dei suoi vestiti non nascondono il corpo e ricordano gli abiti degli dei greci. Attorno alla nicchia sono raffigurati vari animali, a simboleggiare la solitudine del luogo dell'eremo. Il significato dell'immagine del Buddha è sottolineato dall'immobilità della posa, dal rigore delle proporzioni e dalla mancanza di connessione tra la figura e l'ambiente.

Genio con i fiori. Scultura in stucco di Gadda. 34° secolo N. e. Parigi. Museo Guimet. Genio con i fiori. Scultura in stucco di Gadda. 34° secolo N. e. Parigi. Museo Guimet. In altre immagini, gli artisti gandhariani hanno interpretato l'immagine di una divinità umana in modo ancora più libero e vitale. Tale, ad esempio, è la statua del Buddha del Museo di Berlino, realizzata in ardesia bluastra. La figura del Buddha è avvolta in abiti che ricordano un himation greco e scende in ampie pieghe fino ai suoi piedi. Il volto del Buddha dai lineamenti regolari, la bocca sottile e il naso diritto esprime calma. Non c'è nulla nel suo volto e nella sua postura che indichi la natura iconica della statua.

Il desiderio di abbondante lusso e raffinatezza, anticipando la futura arte feudale dell'India, appare anche nelle arti visive. Requisiti religiosi ufficiali e canoni rigidi hanno già impresso su di lui il marchio dell'idealizzazione astratta e della convenzionalità, specialmente nelle immagini scultoree del Buddha. Tale, ad esempio, è una statua del museo di Sarnath (V secolo d.C.), contraddistinta dal virtuosismo nella lavorazione della pietra e dalla bellezza ideale congelata. Il Buddha è raffigurato seduto con la mano alzata in un gesto rituale di istruzione - "mudra". Sul suo viso dalle palpebre pesanti c'è un sottile sorriso impassibile. Una grande aureola traforata, sostenuta su entrambi i lati da spiriti, gli incornicia la testa. Il piedistallo raffigura i seguaci del Buddha, posti ai lati della simbolica ruota della legge. L'immagine del Buddha è raffinata e fredda, non ha quel calore vivo che è generalmente caratteristico dell'arte dell'antica India. Il Sarnath Buddha differisce notevolmente dalle immagini gandhariane per essere più astratto e impassibile. Il desiderio di abbondante lusso e raffinatezza, anticipando la futura arte feudale dell'India, appare anche nelle arti visive. Requisiti religiosi ufficiali e canoni rigidi hanno già impresso su di lui il marchio dell'idealizzazione astratta e della convenzionalità, specialmente nelle immagini scultoree del Buddha. Tale, ad esempio, è una statua del museo di Sarnath (V secolo d.C.), contraddistinta dal virtuosismo nella lavorazione della pietra e dalla bellezza ideale congelata. Il Buddha è raffigurato seduto con la mano alzata in un gesto rituale di istruzione - "mudra". Sul suo viso dalle palpebre pesanti c'è un sottile sorriso impassibile. Una grande aureola traforata, sostenuta su entrambi i lati da spiriti, gli incornicia la testa. Il piedistallo raffigura i seguaci del Buddha, posti ai lati della simbolica ruota della legge. L'immagine del Buddha è raffinata e fredda, non ha quel calore vivo che è generalmente caratteristico dell'arte dell'antica India. Il Sarnath Buddha differisce notevolmente dalle immagini gandhariane per essere più astratto e impassibile. Statua del Buddha di Sarnath. Arenaria. Altezza 1,60 m.5 pollici N. e. Sarnat. Museo.

Statua di Avalokiteshvara Tra i monumenti del periodo Kushan, un posto speciale appartiene alle statue ritratto, in particolare alle sculture dei sovrani. Le statue dei sovrani erano spesso collocate all'esterno delle strutture architettoniche, come monumenti indipendenti. In queste statue vengono ricreati i tratti caratteristici del loro aspetto e tutti i dettagli dell'abbigliamento sono fedelmente riprodotti. Il re è raffigurato con una tunica che arriva alle ginocchia e allacciato con una cintura; un indumento più lungo è indossato sopra la tunica. Ai piedi ci sono stivali morbidi con lacci. A volte alle singole immagini di culto venivano date caratteristiche di ritratto, come si può vedere nella statua di Avalokiteshvara. Tra i monumenti del periodo Kushan, un posto speciale occupa le statue ritratto, in particolare le sculture dei sovrani. Le statue dei sovrani erano spesso collocate all'esterno delle strutture architettoniche, come monumenti indipendenti. In queste statue vengono ricreati i tratti caratteristici del loro aspetto e tutti i dettagli dell'abbigliamento sono fedelmente riprodotti. Il re è raffigurato con una tunica che arriva alle ginocchia e allacciato con una cintura; un indumento più lungo è indossato sopra la tunica. Ai piedi ci sono stivali morbidi con lacci. A volte alle singole immagini di culto venivano date caratteristiche di ritratto, come si vede nella statua di Avalokiteshvara.

Statua del "Re Serpente" Gli eroi dell'antica epopea indiana, come prima, continuano a occupare un posto significativo nell'arte di questo periodo. Ma, di regola, sono dotati di altre funzionalità. Le loro immagini sono più sublimi; le loro figure si distinguono per armonia e chiarezza di proporzioni. Gli eroi dell'antica epopea indiana, come prima, continuano a occupare un posto significativo nell'arte di questo periodo. Ma, di regola, sono dotati di altre funzionalità. Le loro immagini sono più sublimi; le loro figure si distinguono per armonia e chiarezza di proporzioni.

Nel nord dell'India appare anche un tipo speciale di tempio a forma di torre in mattoni. Un esempio di questo genere di edifici è il tempio di Mahabodhi dedicato al Buddha e che rappresenta una sorta di elaborazione della forma di uno stupa. Il tempio prima della ricostruzione aveva la forma di un'alta piramide tronca, suddivisa all'esterno in nove ordini decorativi. In cima vi era un reliquiario "hti", coronato da una cuspide con simbolici ombrelli discendenti verso l'alto. La base della torre era un'alta piattaforma con scale. I livelli del tempio erano decorati con nicchie, pilastri e sculture raffiguranti simboli buddisti. Lo spazio interno del tempio non è quasi sviluppato. Ma dall'esterno, ogni livello è suddiviso in una serie di nicchie decorative, sono state conservate anche informazioni sulla colorazione brillante dei singoli dettagli. In generale, nell'architettura degli ultimi secoli. c'è un aumento della decoratività, c'è una certa congestione delle pareti esterne con decorazioni scultoree e intagli fini. Tuttavia, allo stesso tempo, la chiarezza dell'architettura è ancora conservata, per la maggior parte persa nell'architettura dell'India feudale. Nel nord dell'India appare anche un tipo speciale di tempio a forma di torre in mattoni. Un esempio di questo genere di edifici è il tempio di Mahabodhi dedicato al Buddha e che rappresenta una sorta di elaborazione della forma di uno stupa. Il tempio prima della ricostruzione aveva la forma di un'alta piramide tronca, suddivisa all'esterno in nove ordini decorativi. In cima vi era un reliquiario "hti", coronato da una cuspide con simbolici ombrelli discendenti verso l'alto. La base della torre era un'alta piattaforma con scale. I livelli del tempio erano decorati con nicchie, pilastri e sculture raffiguranti simboli buddisti. Lo spazio interno del tempio non è quasi sviluppato. Ma dall'esterno, ogni livello è suddiviso in una serie di nicchie decorative, sono state conservate anche informazioni sulla colorazione brillante dei singoli dettagli. In generale, nell'architettura degli ultimi secoli. c'è un aumento della decoratività, c'è una certa congestione delle pareti esterne con decorazioni scultoree e intagli fini. Tuttavia, allo stesso tempo, la chiarezza dell'architettura è ancora conservata, per la maggior parte persa nell'architettura dell'India feudale. Tempio di Mahabodhi a Bodhgaya. Intorno al V sec. N. e. Ristrutturato.

I primi monumenti di architettura e belle arti dell'antica India appartengono all'era della civiltà Harappa, ma gli esempi più eclatanti furono creati nell'era Kushano-Gupta. I monumenti di natura sia religiosa che secolare si distinguevano per l'alto valore artistico.

Nell'era dell'antichità, la maggior parte degli edifici erano costruiti in legno e quindi non sono stati conservati. Il palazzo del re Chendragupta era costruito in legno e fino ad oggi sono sopravvissuti solo i resti delle colonne di pietra. Nei primi secoli della nostra era, la pietra iniziò ad essere ampiamente utilizzata nelle costruzioni. L'architettura religiosa di questo periodo è rappresentata da complessi rupestri, templi e stupa (strutture in pietra in cui erano conservate le reliquie del Buddha). Tra i complessi di grotte, i più interessanti sono i complessi nelle città di Karl ed Ellora. Il tempio rupestre di Karla è alto quasi 14 m, largo 14 me lungo circa 38 m. Ci sono un gran numero di sculture e stupa. Nell'era Gupta iniziò la costruzione di un complesso di grotte a Ellora, che continuò per diversi secoli. I capolavori dell'architettura indiana includono anche il tempio indù di Sanchi e lo stupa buddista che vi si trova.

Nell'antica India c'erano diverse scuole di scultura, di cui le più grandi erano le scuole Gandharian, Mathura e Amaravati. La maggior parte delle sculture superstiti erano anche di natura religiosa. L'arte scultorea ha raggiunto un'altezza tale che c'erano una serie di linee guida e regole speciali per la loro creazione. Furono sviluppate tecniche iconografiche, diverse per le diverse tradizioni religiose. C'erano iconografie buddiste, Jani e indù.

Tre tradizioni sono state combinate nella scuola Gandhara: buddista, greco-romana e dell'Asia centrale. Fu qui che furono create le prime immagini del Buddha, inoltre, come un dio; queste sculture raffiguravano anche statue di bodhisattva. Nella scuola Mathura, i cui albori coincidono con l'era Kushan, l'ambiente secolare è di particolare importanza insieme alle composizioni architettoniche prettamente religiose. Le immagini del Buddha sono apparse qui altrettanto presto. La scuola Mathura è stata influenzata dalla precedente arte Maurya e alcune sculture parlano dell'influenza Harappa (figure di dee madri, divinità locali, ecc.). Rispetto ad altre scuole scultoree, la scuola Amaravati ha assorbito le tradizioni del sud del Paese e i canoni buddisti. Sono stati conservati in sculture successive, influenzando l'arte del sud-est asiatico e dello Sri Lanka.

L'antica arte indiana era strettamente connessa con la religione e la filosofia. Inoltre, era sempre rivolto alla casta inferiore - i contadini, per trasmettere loro le leggi del karma, i requisiti del dharma, ecc. Nella poesia, nella prosa, nel dramma, nella musica, l'artista indiano si è identificato con la natura in tutti i suoi stati d'animo, ha risposto alla connessione tra l'uomo e l'universo. E, infine, un pregiudizio religioso diretto contro le statue degli dei ha avuto un'influenza significativa sullo sviluppo dell'arte indiana. I Veda erano contrari all'immagine della divinità e l'immagine del Buddha apparve nella scultura e nella pittura solo nel tardo periodo dello sviluppo del buddismo.

La cultura artistica dell'antica società indiana è stata profondamente influenzata dall'induismo, dal buddismo e dall'islam.

La percezione artistica e figurativa attraverso il prisma di questi sistemi religiosi e filosofici è segnata dalla raffinatezza dell'immagine di una persona e del mondo circostante, dalla perfezione delle forme architettoniche.

Il monumento più famoso dell'antica pittura indiana sono le pitture murali nelle grotte di Ajanta. Per 150 anni, antichi maestri hanno scolpito questo tempio nella roccia. In questo complesso buddista di 29 grotte, i dipinti ricoprono le pareti e i soffitti interni. Qui ci sono varie storie della vita di Buddha, temi mitologici, scene della vita quotidiana, temi del palazzo. Tutti i disegni sono perfettamente conservati, perché. Gli indiani conoscevano bene i segreti delle vernici durevoli, l'arte di rafforzare il suolo. La scelta del colore dipendeva dalla trama e dai personaggi. Dei e re, ad esempio, sono sempre stati raffigurati come bianchi. Le tradizioni di Ajanta hanno influenzato l'arte dello Sri Lanka e di varie parti dell'India.

Un'altra caratteristica dell'antica cultura indiana è l'espressione in immagini artistiche dell'idea di adorare il dio dell'amore - Kama. Questo significato era basato sul fatto che gli indiani consideravano la coppia nuziale di un dio e una dea come un processo di creazione cosmica. Pertanto, le immagini della punizione di Dio in un forte abbraccio sono comuni nei templi.

Belle Arti dell'India. (KRISHNA.)

Considerando le opere d'arte dell'antichità asiatica, spesso incontriamo i nomi di grandi maestri, specialmente nell'arte della Cina e del Giappone. Tuttavia, è improbabile che molti amanti dell'arte possano nominare i nomi eccezionali di scultori o artisti indiani. L'arte visiva indiana è anonima e questa è una delle sue più importanti caratteristiche distintive. E questo anonimato si manifesta non solo nell'assenza dei nomi degli autori che hanno realizzato il dipinto, ma spesso nel parziale anonimato delle immagini stesse. È più probabile che un artista indiano crei un'immagine di una divinità piuttosto che un re o un nobile specifico. Le scene quotidiane della vita quotidiana includevano immagini generalizzate e non possono pretendere di essere una somiglianza di ritratto, come, in effetti, qualsiasi altra immagine nell'arte indiana.

Il maestro indiano non ha mai creato le sue opere dal vero, che si trattasse dell'immagine di una persona, di un albero sacro o di qualsiasi animale. Il maestro indiano ha lavorato a memoria, collegando al suo lavoro, oltre alla percezione diretta della natura, la sua visione, oltre a seguire i canoni. I canoni sviluppano in dettaglio le regole per rappresentare le posture (asana) e le posizioni delle mani e delle dita (mudra). Le opere indiane, se non erano immagini di dei, sono sempre state un riflesso soggettivo della realtà oggettiva.

Nelle immagini, le emozioni (razza) erano di grande importanza. Otto emozioni erano considerate fondamentali: amore, uno stato spirituale elevato, gioia, sorpresa, tristezza come compassione, pace e malcontento. Tutte le storie popolari raffiguravano la gioia dell'essere, che si manifestava attraverso le emozioni - rasa, erano considerate una manifestazione del Brahman nell'uomo.

Nel corso di molti secoli, nell'arte indiana sono sorte, sviluppate, modificate o scomparse molte tendenze, scuole e tendenze brillanti e originali. L'arte indiana, come l'arte di altri popoli, conosceva non solo i percorsi della continuità interna, ma anche influenze esterne, e persino l'invasione di altre culture artistiche straniere, ma in tutte queste fasi rimane creativamente forte e originale. Nonostante la ben nota condizionalità dei canoni religiosi, l'arte indiana porta un grande contenuto universale e umanistico.

In un saggio conciso, è impossibile coprire in dettaglio la storia dell'arte indiana. Pertanto, verrà qui fornita solo una breve panoramica dei monumenti più suggestivi e caratteristici e delle linee più importanti di sviluppo dell'arte e dell'architettura in India dall'antichità ai giorni nostri.

Le origini delle arti visive e dell'architettura dell'India risalgono ai periodi più antichi della sua storia.

Nelle regioni centrali del Paese sono stati scoperti murales risalenti al Paleolitico e al Neolitico raffiguranti scene di caccia e animali. Le culture più antiche del Sindh e del Belucistan sono caratterizzate da piccole sculture in argilla dominate da figurine femminili grossolanamente modellate e dipinte, solitamente associate al culto della dea madre, e ceramiche dipinte ornate di vernice nera o rossa. Le immagini di tori, leoni, capre di montagna e altri animali, così come alberi in combinazione con motivi geometrici, sono comuni nell'ornamento.

La prima fioritura della cultura urbana dell'India è rappresentata dai monumenti architettonici di Harappa (Punjab) e Mohenjo-Daro (Sindh). Questi monumenti testimoniano l'altissimo sviluppo per quel tempo dell'urbanistica e del pensiero architettonico e tecnico dei più antichi costruttori indiani e la loro grande abilità professionale. Durante gli scavi sono stati rinvenuti i resti di grandi insediamenti di tipo urbano dall'impianto molto sviluppato. Nella parte occidentale di queste città c'erano cittadelle fortemente fortificate con vari edifici pubblici. Le mura delle cittadelle furono rinforzate con torri rettangolari sporgenti. Una caratteristica dell'aspetto di queste città era la quasi totale assenza di decorazioni architettoniche.

Le poche opere di scultura rinvenute a Mohenjo-Daro, Harappa e in alcuni altri centri della civiltà della valle dell'Indo testimoniano l'ulteriore miglioramento delle tecniche pittoriche e dell'interpretazione plastica dell'immagine. Il busto in steatite di un sacerdote (o re) e una statuetta in bronzo di un ballerino di Mohenjo-Daro rappresentano due immagini individualizzate completamente diverse, interpretate in modo generalizzato, ma molto espressive e vitali. Due torsi di Harappa (calcare rosso e grigio) testimoniano la grande comprensione degli scultori della plasticità del corpo umano.

I sigilli in steatite scolpiti con immagini di animali, divinità o scene rituali si distinguono per l'elevata perfezione dell'esecuzione. Le iscrizioni pittografiche su questi sigilli non sono state ancora decifrate.

L'architettura e le belle arti del periodo successivo, cosiddetto vedico, ci sono note solo da fonti scritte. I monumenti autentici di questo tempo non vengono quasi mai scoperti. In quest'epoca, la costruzione in legno e argilla fu ampiamente sviluppata, furono sviluppati metodi costruttivi e tecnici, che in seguito costituirono la base dell'architettura in pietra.

Dall'inizio del periodo di massimo splendore dello stato di Magadha (metà VI-IV secolo a.C.) si sono conservati i resti delle mura difensive ciclopiche e delle grandi piattaforme che fungevano da fondamenta per gli edifici. I primi testi buddisti menzionano statue di divinità.

Più pienamente si può giudicare sull'arte dell'Impero Mauryan (fine IV - inizio II secolo a.C.). Il palazzo reale nella sua capitale Pataliputra è stato paragonato da fonti antiche ai palazzi achemenidi di Susa ed Ecbatana.

Gli scavi hanno rivelato i resti di questo palazzo: una vasta sala rettangolare, il cui soffitto poggiava su cento colonne di pietra.

Il fiorire dell'architettura e della scultura ebbe luogo durante il regno di Ashoka. Sotto di lui, la costruzione di edifici religiosi buddisti acquisì uno scopo speciale.

I monumenti caratteristici del tempo di Ashoka erano numerose colonne monolitiche in pietra - stambha, su cui erano scolpiti editti reali e testi religiosi buddisti; le loro cime avevano un capitello a forma di loto ed erano coronate da immagini scultoree di simboli buddisti. Quindi, su uno dei pilastri più famosi di Sarnath (circa 240 a.C.), le figure in rilievo di un cavallo, un toro, un leone e un elefante sono raffigurate con sorprendente abilità ed espressività, e la parte superiore di questo pilastro è coronata da uno scultoreo immagine di quattro mezze figure collegate con le loro schiene leoni

Il monumento più tipico dell'architettura buddista di questo periodo sono gli stupa, strutture commemorative progettate per conservare le reliquie buddiste (la tradizione attribuisce ad Ashoka la costruzione di 84mila stupa). Nella sua forma più semplice, uno stupa è un emisfero monolitico posto su una base cilindrica, coronato da un'immagine di pietra di un ombrello - un chattra (simbolo della nobile origine del Buddha) o una guglia, sotto la quale venivano custoditi oggetti sacri una piccola camera in speciali reliquiari. Spesso veniva fatta una deviazione circolare attorno allo stupa e l'intera struttura era circondata da una recinzione.

Un classico esempio di edifici di questo tipo è il Grande Stupa di Sanchi (III secolo aC), che ha un diametro di 32,3 m alla base e 16,5 m di altezza senza cuspide. L'edificio è in mattoni e rivestito in pietra. Successivamente, nel I sec. AVANTI CRISTO e., attorno ad esso fu eretto un alto recinto di pietra con quattro porte - torana. Le sbarre della recinzione e dei cancelli sono decorate con rilievi e sculture basati sulle trame di leggende buddiste, immagini di personaggi mitologici, persone e animali.

Dalla fine del II sec e soprattutto nel I sec. AVANTI CRISTO e. l'architettura rupestre è ampiamente sviluppata. L'inizio della costruzione di complessi di grotte a Kanheri, Karli, Bhaj, Baga, Ajanta, Ellora e altri luoghi risale a questo periodo. Inizialmente si trattava di piccoli chiostri monastici, via via in espansione e trasformatisi nel corso dei secoli in città rupestri. Nell'architettura rupestre si formano i tipi più importanti di edifici di culto buddisti chaitya e vihara (sale di preghiera e monasteri).

Le campagne dei Greci in India (IV secolo a.C.), la formazione degli stati indo-greci e successivamente, a cavallo della nostra era, l'invasione delle tribù Saka e la creazione di un potente stato Kushan hanno avuto un forte impatto sull'arte indiana. Come risultato del rafforzamento dei legami politici, commerciali e culturali dell'India con i paesi del Mediterraneo, dell'Asia centrale e dell'Iran in quel momento, nuove tendenze artistiche penetrarono in India. Entrata in contatto con l'arte dei paesi ellenizzati del Vicino Oriente, la cultura artistica indiana ha assimilato alcune delle conquiste dell'arte classica, rielaborandole e ripensandole creativamente, ma allo stesso tempo conservandone l'originalità e l'originalità.

Il complesso processo di elaborazione creativa di varie influenze artistiche esterne nell'arte indiana di questo periodo è particolarmente chiaramente espresso nelle opere delle tre scuole d'arte più importanti e significative del I-III secolo. N. e. - Gandhara, Mathura e Amaravati.

La scuola d'arte del Gandhara - un'antica regione dell'India nordoccidentale nel medio corso dell'Indo, nell'area della moderna Peshawar (ora in Pakistan) - apparentemente sorse a cavallo della nostra era, raggiunse il suo apice in il II-III secolo. ed esisteva nei suoi rami successivi fino ai secoli VI-VIII. La posizione geografica sulla più importante via di terra che collegava l'India con gli altri paesi ha predeterminato fin dall'antichità il ruolo di quest'area altamente sviluppata come conduttore e al tempo stesso filtro di varie influenze artistiche giunte in India dal Mediterraneo, dal Vicino Oriente, dall'Asia centrale e dalla Cina. L'influenza della cultura spirituale e artistica dell'India su questi paesi è penetrata anche attraverso il Gandhara. Fu qui che sorse e si sviluppò un'arte profondamente contraddittoria, in una certa misura eclettica, che in letteratura ricevette il nome di "greco-buddista", "indo-greco" o semplicemente "gandhariano". In termini di contenuto, questa è un'arte di culto buddista, che racconta in immagini plastiche la vita di Gautama Buddha e molti satva del corpo. Il suo principio fondamentale indiano si è manifestato in una composizione che segue le tradizioni ei canoni sviluppati nell'arte buddista dei periodi precedenti. Nel modo artistico, nella modellazione di forme tridimensionali, l'interpretazione dei volti, le posture* dell'abbigliamento, l'influenza di esempi classici di plasticità ellenistica colpite. A poco a poco, il flusso classico si trasforma, avvicinandosi a forme puramente indiane, ma fino alla fine dell'esistenza di questa scuola, è chiaramente tracciato nelle sue opere.

Un posto molto importante nella storia dell'arte indiana è occupato dalla scuola scultorea di Mathura. La sua ascesa nel periodo Kushan fu segnata da una serie di risultati artistici che costituirono la base per l'ulteriore sviluppo dell'arte indiana. Il canone iconografico dell'immagine del Buddha in forma di uomo, creato a Mathura, si è successivamente diffuso ampiamente in tutta l'arte di culto buddista.

La scultura di Mathura dell'epoca del suo massimo splendore (II-III secolo) si distingue per la pienezza dell'immagine delle forme del corpo umano.

La scultura della scuola Amaravati - la terza delle più importanti scuole d'arte di questo periodo - rivela un senso ancora più sottile della forma plastica. Questa scuola è rappresentata da numerosi rilievi che adornavano lo stupa di Amaravati. Il suo periodo di massimo splendore appartiene ai secoli II-III. Le figure umane nelle loro proporzioni sono enfaticamente esili, le composizioni di genere sono ancora più vitali.

Il periodo di esistenza del potente stato Gupta (IV-VI secolo) è associato a una nuova era artistica, che include lo sviluppo secolare dell'antica arte indiana. Nell'arte dell'era Gupta si concentravano le conquiste artistiche dei periodi precedenti e delle scuole d'arte locali. L '"età d'oro dell'arte indiana", come viene spesso chiamata l'era Gupta, ha creato opere che sono diventate parte del tesoro dell'arte mondiale.

Rilievi della porta (torana) del Grande Stupa a Sanchi

Una costruzione ampia e variegata è rappresentata da numerosi edifici templari, sia in roccia che in terra. Una novità significativa nell'architettura di Gupta fu l'aggiunta del tipo più semplice di antico tempio bramino: consisteva in una cella eretta su una piattaforma elevata, a pianta quadrata, ricoperta di lastre di pietra piatte, il cui ingresso era realizzato a forma di colonnato. vestibolo, anch'esso con soffitto piatto. Un esempio di tale edificio è lo snello e grazioso Tempio n. 7 a Sanchi. In futuro, intorno all'edificio della cella appare un corridoio o galleria di bypass coperto; nel V sec una sovrastruttura simile a una torre sporgente appare sopra la cella - un prototipo del futuro giikhara monumentale dei templi bramini medievali.

L'architettura delle caverne in questo momento sta vivendo una nuova impennata. Si sta sviluppando un tipo più complesso di strutture rocciose: un vihara, un monastero buddista. In pianta, il vihara era una vasta sala rettangolare con colonne con un santuario dove si trovava un'immagine del Buddha o uno stupa. Ai lati della sala si trovavano numerose celle di monaci. L'ingresso esterno a tale monastero assumeva la forma di un portico a colonne, riccamente decorato con sculture e dipinti.

Una delle più alte conquiste dell'arte dell'era Gupta furono le pitture murali dei monasteri rupestri. La loro creazione è stata preceduta da un lungo sviluppo di questo genere, a partire dall'epoca dei Mauryan, ma quasi nessun monumento autentico della pittura antica ci è pervenuto. Tra i monumenti della pittura murale, i murales meglio conservati di Ajanta sono i più famosi, tra i quali il dipinto della grotta n. 17 si distingue per la sua maestria nell'esecuzione.

Gli artisti di Ajanta hanno arricchito le loro composizioni basate sulle leggende buddiste tradizionali con un'abbondanza di generi e dettagli quotidiani, creando una galleria di scene e immagini che riflettevano molti aspetti della vita quotidiana di quel tempo. L'esecuzione degli affreschi di Ajanta si distingue per l'elevata abilità, libertà e sicurezza nel disegno e nella composizione e un sottile senso del colore. Con tutti i limiti dei mezzi visivi di una serie di tecniche canonizzate, l'ignoranza del chiaroscuro da parte degli artisti e la prospettiva corretta, gli affreschi di Ajanta stupiscono per la loro vitalità.

La scultura di questo periodo si distingue per la modellazione fine ed elegante, la levigatezza delle forme, il calmo equilibrio di proporzioni, gesti e movimenti. Le caratteristiche di espressività e forza grezza caratteristiche dei monumenti di Bharhuta, Mathura e Amaravati lasciano il posto a una raffinata armonia nell'arte Gupta. Queste caratteristiche sono particolarmente evidenti nelle numerose statue del Buddha, immerse in uno stato di serena contemplazione. Al tempo di Gupta, le immagini del Buddha acquisiscono finalmente un aspetto congelato e rigorosamente canonizzato. In altre sculture, meno legate da canoni iconografici, il sentimento vivo e la ricchezza del linguaggio plastico sono più pienamente conservati.

Alla fine del periodo Gupta, nel V-VI secolo, furono create composizioni scultoree basate su soggetti della mitologia bramina. In queste sculture ricominciano a manifestarsi tratti di grande espressività e dinamismo. Ciò fu dovuto all'inizio del processo della cosiddetta reazione bramina e al graduale, sempre più deciso allontanamento del buddismo da parte dei culti bramini (o meglio, dei culti dell'induismo).

All'inizio del VI sec. l'impero Gupta cadde sotto i colpi degli Eftaliti, o Unni bianchi, che invasero dall'Asia centrale; molti centri d'arte in India vengono distrutti e la vita in essi sta morendo.

Una nuova tappa nella storia dell'arte indiana risale all'alto medioevo e, nel suo contenuto, è associata quasi esclusivamente all'induismo.

Nell'architettura altomedievale dell'India spiccavano due tendenze principali, contraddistinte dall'originalità dei canoni e delle forme. Uno di loro si è sviluppato nel nord dell'India ed è comunemente indicato nella letteratura come la scuola settentrionale o indo-ariana. Il secondo si è sviluppato nei territori a sud del fiume. Narbada ed è conosciuta con il nome di scuola meridionale o dravidica. Queste due tendenze principali - North Indian e South Indian - a loro volta si sono divise in un certo numero di scuole d'arte locali.

Mentre l'India meridionale<жая, или дравидийская, архитектурная школа была связана в этот период лишь с областями восточного побережья Индостанского полуострова, южнее р. Кистны (Кришны), северная-индоарийская школа складывалась и развивалась на большей части территории северной Индии, распространившись даже на некоторые области Декана VII-VIII вв. в истории индийского искусства являются переходной эпохой.

In questo momento, le tradizioni artistiche, e in particolare le tradizioni dell'architettura del cuoio capelluto, stanno vivendo la fase finale del loro sviluppo e cessano. Allo stesso tempo, c'è un processo di formazione di nuovi canoni, forme e tecniche artistiche legate alle esigenze della società feudale in via di sviluppo e alla sua ideologia.

Il ruolo della costruzione del terreno sta crescendo notevolmente. La comparsa di opere architettoniche come i ratha monolitici - piccoli templi a Mahabalipuram e il famoso tempio Kailasanatha a Ellora, parla di cambiamenti fondamentali nell'architettura dell'India: si tratta di edifici a terra, realizzati solo con la tecnica tradizionale dell'architettura rupestre.

L'architettura rupestre buddista ad Ajanta termina con la creazione nel VII secolo. diversi vihara. Il più famoso è Vihara No. 1, famoso per i suoi dipinti murali.

Delle famose pitture murali di questa grotta, solo una piccola parte è pervenuta fino a noi, e quindi in uno stato gravemente distrutto. I frammenti superstiti raffigurano episodi della vita del Buddha, oltre a numerose scene di genere, che si distinguono per una grande vitalità.

I murales del vihara n. 1, così come altri templi rupestri di Ajanta, sono realizzati con la tecnica dell'affresco su fondo di alabastro bianco. Le tecniche visive ei mezzi utilizzati dai pittori che hanno creato questi dipinti portano l'impronta della tradizione e di una certa canonicità; nonostante i limiti piuttosto rigidi dei mezzi visivi, gli artisti di Ajanta sono riusciti a incarnare nelle loro opere un intero mondo di grandi sentimenti, azioni ed esperienze umane, creando capolavori pittoreschi di significato veramente mondiale.

I motivi della pittura di Ajanta sono ampiamente utilizzati fino ad oggi nel lavoro artistico dei popoli dell'India.

Tuttavia, i tradizionali monasteri rupestri, adattati alle esigenze di un piccolo numero di fratelli monastici, non soddisfacevano le esigenze del culto bramino con i suoi simboli complessi e le cerimonie affollate. Le difficoltà tecniche legate alla lavorazione del terreno roccioso duro hanno costretto alla ricerca di nuove soluzioni architettoniche e tecniche costruttive. Questa ricerca ha portato alla costruzione

Ellora - uno dei famosi complessi di templi rupestri in India - si trova a sud-ovest di Ajanta. La costruzione iniziò qui nel V secolo, quando furono abbattute le prime grotte buddiste. L'intero complesso di templi di Ellora è composto da tre gruppi: buddista, bramino e giainista.

Creato nella seconda metà dell'VIII secolo. Il tempio Kailasanatha rappresenta un drastico rifiuto dei principi fondamentali dell'architettura delle caverne. Questo edificio è una struttura a terra, realizzata con tecniche tradizionali, caratteristiche dell'architettura rupestre. Invece di una sala sotterranea scavata in profondità nella roccia, i costruttori hanno scavato nel monolite della roccia un tempio strutturale a terra, il cui tipo aveva già preso forma nelle sue caratteristiche principali a quel tempo. Dopo aver separato con trincee il massiccio desiderato dalla montagna, gli architetti hanno abbattuto il tempio partendo dai piani superiori, approfondendosi gradualmente fino al piano interrato. Tutta la ricca decorazione scultorea è stata eseguita contemporaneamente al rilascio di parti dell'edificio dall'ammasso roccioso. Questo metodo ha richiesto non solo uno sviluppo dettagliato del progetto edilizio in tutte le sue parti e le loro relazioni, ma anche un'incarnazione estremamente accurata delle idee dell'architetto nel materiale.

La scultura gioca un ruolo dominante nella decorazione degli edifici del complesso del tempio. La pittura è usata solo nella decorazione d'interni. I frammenti superstiti testimoniano il rafforzamento in esso dei tratti di schematismo e convenzionalità. Le tradizioni della pittura monumentale, strettamente associate al buddismo, si stanno estinguendo. La scultura è particolarmente sviluppata nell'architettura indù.

Il terzo importante monumento nella storia dell'architettura medievale indiana è l'insieme del tempio di Mahabalipuram, situato sulla costa orientale a sud della città di Madras. La sua creazione risale alla metà del VII secolo. Il complesso del tempio è stato scavato in affioramenti naturali di granito costiero. Consiste di dieci sale a colonne scavate nella roccia, due delle quali rimaste incompiute, e sette templi a terra - ratha, scolpiti da monoliti di granito. Tutti i ratha rimasero incompiuti. Il più significativo di loro è il tempio di Dharmaraja Ratha.

L'insieme del tempio di Mahabalipuram comprende un notevole monumento di scultura: il rilievo "La discesa del Gange sulla Terra". È scolpito su un ripido pendio di una roccia granitica ed è rivolto a est, verso il sole nascente. Il centro della trama della composizione è una profonda fenditura verticale, attraverso la quale anticamente l'acqua cadeva da una pozza speciale.

Gli dei, le persone e gli animali raffigurati nel rilievo aspirano a questa cascata, che personifica vividamente la leggenda della discesa del fiume celeste sulla terra, e, raggiuntala, si congelano nella contemplazione attonita del miracolo.

Con il carattere statico esteriore delle statue di divinità, persone e animali, con grande generalizzazione, anche qualche imprecisione nell'interpretazione delle loro figure, l'enorme rilievo è pieno di vita e movimento.

La fase successiva nello sviluppo dell'architettura medievale in India fu il passaggio finale alla costruzione mediante muratura: pietra o mattoni.

Lo sviluppo dell'architettura delle regioni settentrionali dell'India è proceduto in modi alquanto diversi. Qui si sviluppò un tipo peculiare di edificio del tempio, significativamente diverso dal tipo meridionale sopra descritto.

All'interno della scuola settentrionale sorsero diverse tendenze architettoniche locali, che crearono una serie di soluzioni originali per le forme esterne ed interne dell'edificio del tempio.

L'architettura dell'India settentrionale è caratterizzata dalla posizione di tutte le parti dell'edificio del tempio lungo l'asse principale, che di solito corre rigorosamente da est a ovest; l'ingresso al tempio era situato da est. Rispetto a quelli meridionali, i templi dell'India settentrionale hanno una disposizione più sviluppata e complessa: oltre ai soliti edifici del santuario e della sala principale, a quest'ultima sono spesso annessi altri due padiglioni: la cosiddetta sala da ballo e la sala delle offerte. Nella composizione esterna dell'edificio del tempio, la sua divisione in parti è solitamente fortemente enfatizzata. L'elemento dominante dell'aspetto esterno dell'edificio del tempio è la sovrastruttura sopra l'edificio del santuario - shikhara con il suo dinamico contorno curvilineo; nell'architettura settentrionale assunse dapprima la forma di una torre più alta che in quella meridionale, a pianta quadrata o quasi quadrata, le cui facce laterali si elevano rapidamente verso l'alto lungo una parabola nettamente delineata. Lo shikhara diretto verso l'alto è contrastato dal resto dell'edificio del tempio; sono tutti molto più bassi, la loro copertura di solito ha la forma di una piramide a gradini leggermente inclinata.

Il tempio rupestre di Kailasanath. VIII secolo N. e.

Forse l'incarnazione finita più sorprendente dei canoni dell'architettura settentrionale è stata trovata nelle opere della scuola di architettura dell'Orissa. Questa scuola si sviluppò nel IX secolo. e durò fino alla fine del XIII secolo. I monumenti architettonici più importanti della scuola dell'Orissa sono l'ampio complesso del tempio di Bhuvaneshwar, il tempio di Jaganath a Puri e il tempio del sole a Konark.

L'insieme dei templi shaiviti a Bhuvaneshwar è costituito da un numero molto elevato di edifici: i primi furono costruiti a metà dell'VIII secolo, l'ultimo alla fine del XIII secolo. Il più significativo di loro. è il tempio di Lingaraja (anno 1000 circa), che spicca per le sue forme monumentali.

L'edificio del tempio si trova al centro di un'area rettangolare circondata da un alto muro. Si compone di quattro parti, disposte lungo l'asse principale da est a ovest: la sala delle offerte, la sala delle danze, la sala principale e il santuario. Le divisioni architettoniche esterne dell'edificio del tempio sottolineano l'indipendenza di ciascuna delle parti.

Il Tempio del Sole a Konark è considerato uno dei più alti successi della scuola architettonica dell'Orissa in termini di design audace e monumentalità delle sue forme. La costruzione del tempio fu eseguita nel 1240-1280, ma "nv" fu completata. L'intero complesso era un gigantesco carro solare - un ratha, trainato da sette cavalli. Gli edifici del tempio erano posti su un'alta piattaforma, ai lati di cui ventiquattro ruote e sette figure scultoree erano raffigurate cavalli che trainavano un carro.

Torre del tempio di Lingaraja a Bhuvaneshwar. Orissa, VIII secolo

I templi a Khajuraho (India centrale) sono stati creati in altre forme architettoniche. Il complesso del tempio di Khajuraho fu costruito tra il 950 e il 1050. ed è costituito da templi indù e giainisti. I templi bramini di Khajuraho rappresentano un fenomeno peculiare nella storia dell'architettura indiana: la disposizione e la composizione volume-spaziale dell'edificio del tempio qui presentano una serie di differenze significative rispetto ai tipi di strutture del tempio sopra descritte.

I templi di Khajuraho non sono circondati da un'alta recinzione, ma sono sollevati da terra su un'enorme piattaforma. L'edificio del tempio era qui considerato come un unico insieme architettonico, in cui tutte le parti sono fuse in un'immagine spaziale integrale. Nonostante le dimensioni relativamente ridotte degli edifici di questo gruppo, si distinguono per l'armonia delle proporzioni.

La scultura nel periodo in esame è strettamente connessa con l'architettura e svolge un ruolo enorme nella decorazione degli edifici del tempio. Una scultura rotonda separata è rappresentata solo da pochi monumenti monumentali e piccole sculture in bronzo. Secondo il suo contenuto, scultura indiana del VII-XIII secolo. è esclusivamente indù ed è dedicato all'interpretazione figurativa di leggende e tradizioni religiose. Cambiamenti significativi stanno avvenendo anche nell'interpretazione delle forme plastiche rispetto alla scultura dei periodi precedenti. Nella scultura medievale dell'India, fin dall'inizio del suo sviluppo, compaiono e sempre più diffusi tratti di maggiore espressività, il desiderio di incarnare nell'immagine scultorea i diversi aspetti fantastici caratteristici delle divinità braminiche. Queste caratteristiche erano assenti nella scultura del periodo Kushan e del periodo Gupta.

Uno dei soggetti preferiti della scultura indiana dell'epoca in esame sono le gesta di Shiva e di sua moglie Kali (o Parvati) nelle loro numerose incarnazioni.

Nuove qualità artistiche si manifestano già chiaramente nel rilievo monumentale del Mahishasura-mandapa (inizio del VII secolo, Mahabalipuram), raffigurante la lotta di Kali con il demone Mahisha. Tutta la scena è intrisa di movimento: Kali, seduta su un leone al galoppo, scocca una freccia contro un demone dalla testa di toro, il quale, accovacciato sulla gamba sinistra, cerca di schivare il colpo; accanto a lui ci sono i suoi guerrieri in fuga e caduti, incapaci di resistere al furioso assalto della dea.

Un esempio di come una nuova comprensione dell'immagine inizia a svilupparsi nell'ambito della vecchia forma d'arte è il rilievo dell'isola di Elephanta, raffigurante Shiva il distruttore. Shiva a otto braccia è raffigurato in movimento, la sua espressione facciale è arrabbiata: sopracciglia fortemente arcuate, uno sguardo furioso di occhi spalancati, un contorno tagliente di una bocca semiaperta caratterizzano espressamente lo stato emotivo del dio. E allo stesso tempo, le tecniche plastiche utilizzate per realizzare questo rilievo sono indubbiamente ancora strettamente legate alle tradizioni della scultura classica dell'era Gupta: la stessa morbidezza delle forme scolpite, una modellazione in qualche modo generalizzata del viso e della figura, e l'equilibrio di movimento sono preservati. La combinazione armoniosa di tutte queste caratteristiche, in larga misura contraddittorie, ha permesso allo scultore di creare un'immagine di grande forza interiore.

Le qualità artistiche della scultura medievale indiana sono maggiormente sviluppate nei templi del X-XIII secolo. Esempi particolarmente espressivi sono i complessi di templi di Bhuvaneshwar e Khajuraho. Qui venivano raffigurate le figure di ballerini, musicisti, fanciulle celesti, che formavano il seguito degli dei. Nel tempo, queste antiche immagini dell'arte indiana hanno ricevuto un'interpretazione molto più espressiva, in cui l'inizio realistico di genere è molto forte.L'arte plastica del bronzo dell'India meridionale ha caratteristiche artistiche e stilistiche caratteristiche della scultura indiana nel suo insieme: generalizzazione dell'interpretazione di forme tridimensionali, la canonica tripla curvatura della figura umana, la combinazione di movimenti dinamici con equilibrio armonico della composizione, sottile trasferimento di dettagli di abbigliamento e gioielli. Un tipico esempio sono le numerose figure di Shiva Nataraja (Shiva danzante), immagini di Parvati, Krishna e altre divinità, figurine di re e regine sacrificali della dinastia Chola.

Nei secoli XVII-XVIII. I bronzi dell'India meridionale stanno perdendo in gran parte le loro qualità artistiche.

Le principali caratteristiche e tradizioni dell'arte bramina medievale, considerate sull'esempio dei monumenti elencati, hanno ricevuto uno sviluppo e un'interpretazione artistica indipendenti e originali in numerose scuole d'arte locali. Soprattutto per molto tempo queste tradizioni e canoni hanno vissuto nell'estremo sud dell'India, a Vijayanagar.

La formazione di grandi stati musulmani nel nord dell'India è stata accompagnata da cambiamenti cardinali non solo nella vita politica e socio-economica, ma anche nella sfera della cultura e dell'arte. Con l'emergere del Sultanato di Delhi, iniziò a svilupparsi e a rafforzarsi rapidamente una nuova grande tendenza nell'architettura e nell'arte, chiamata convenzionalmente "indo-musulmana" in letteratura.

L'Iran e l'Asia centrale possono essere rintracciati molto prima. Ma ora il processo di compenetrazione e intreccio delle tradizioni artistiche di questi paesi è diventato particolarmente intenso.

Dai primi monumenti architettonici del Sultanato di Delhi, sono pervenute fino a noi le rovine della moschea Kuvwat ul-Islam a Delhi (1193-1300) con il suo famoso minareto Qutub Minar e la moschea cattedrale di Ajmir (1210).

La disposizione di queste moschee risale alla disposizione tradizionale di un cortile o di una moschea a colonne. Ma la composizione complessiva di questi edifici testimonia l'intreccio stretto, inizialmente piuttosto eclettico, delle tradizioni architettoniche dell'India e dell'Asia centrale. Questo si vede chiaramente nell'esempio della moschea di Ajmir. Di pianta quasi quadrata, il vasto cortile della moschea è circondato su tre lati da portici colonnati a quattro file di colonne ricoperte da numerose cupole. La sala di preghiera della moschea, formata da sei file di colonne, si apre nel cortile con una facciata monumentale tagliata da sette archi a chiglia, il cui centro domina il resto.Ma solo l'abilità degli architetti indiani nell'arte della muratura ha reso possibile creare un edificio così snello nelle proporzioni.

Tra i monumenti successivi, va notato il mausoleo di Giyas ud-din Tughlaq (1320-1325) nella città di Tughlakabad vicino a Delhi. Appartiene al tipo di mausolei a cupola centrale diffusi in Medio Oriente.

La tarda architettura del Sultanato di Delhi è caratterizzata dalla massività, dalla ben nota pesantezza dell'aspetto generale degli edifici, dal rigore e dalla semplicità dei dettagli architettonici.

Le stesse caratteristiche sono inerenti alla prima architettura del sultanato bahmanide nel Deccan. Ma dall'inizio del XV secolo, con il trasferimento della capitale a Bidar, qui si sviluppò una vivace costruzione e prese forma uno stile peculiare locale. Sempre più chiaramente c'è la tendenza a mascherare la massa dell'edificio con decorazioni decorative, in cui è svolto il ruolo principale

rivestimenti policromi e intagli ornamentali. I monumenti architettonici più significativi dei Bahmanidi sono i mausolei di Ahmed Shah e Ala uddin e la madrasa di Mahmud Gavan a Bidar (metà del XV secolo).

Dea Parvati. Bronzo, XVI secolo

Un monumento eccezionale dell'architettura pre-moghul dell'India settentrionale è il mausoleo di Sher Shah a Sasaram (metà del XVI secolo, Bihar). Il massiccio ottaedro dell'edificio del mausoleo, coperto da un'enorme cupola emisferica, si erge sulla riva del lago su un potente basamento quadrato, agli angoli e ai lati del quale si trovano grandi e piccoli padiglioni a cupola. L'aspetto generale dell'edificio, nonostante tutta la sua imponenza, crea l'impressione di volume e leggerezza.

Periodo che va dal XIII all'inizio del XVI secolo. nella storia dell'architettura indiana è di grande importanza. In questo momento, c'è un complesso processo di ripensamento ed elaborazione di forme e tecniche architettoniche provenienti dall'Asia centrale e dall'Iran, nello spirito delle tradizioni artistiche indiane locali. Nella cosiddetta architettura indo-musulmana, la soluzione plastica e tridimensionale dell'immagine architettonica continuava ad essere il principio guida.

L'intensa costruzione nel Sultanato di Delhi e in altri stati dell'India settentrionale creò in larga misura i prerequisiti per un nuovo fiorire dell'architettura e dell'arte nei secoli XVI-XVIII. sotto i Grandi Mughal.

Due periodi sono chiaramente distinti nell'architettura Mughal: uno precedente, associato alle attività di Akbar, e uno successivo, relativo principalmente al regno di Shah Jehan.

La portata della costruzione urbana sotto Akbar era eccezionalmente ampia: furono costruite nuove città: Fatehpur Sikri (anni '70 del XVI secolo), Allahabad (anni 80-90) e altri. A seguito di una grande costruzione, Agra negli anni '60, secondo i contemporanei, divenne una delle città più belle del mondo.

Del gran numero di monumenti architettonici di questo periodo, i più famosi sono il mausoleo di Humayun (1572) a Delhi e la moschea cattedrale di Fatehpur Sikri.

Il Mausoleo di Humayun è il primo edificio di questo tipo nell'architettura Mughal. Al centro del parco, disposto secondo le regole dell'arte del parco dell'Asia centrale, si erge su un'ampia base l'edificio ottagonale del mausoleo, costruito in arenaria rossa e rifinito con marmo bianco. La cupola principale in marmo bianco è circondata da una serie di padiglioni a cupola aperta.

L'architettura degli edifici di Fatehpur Sikri fornisce esempi della fusione di elementi dell'architettura centroasiatica-iraniana e indiana in uno stile architettonico unico e indipendente.

La Moschea Cattedrale di Fatehpur Sikri è un rettangolo murato orientato ai punti cardinali. Le mura, sorde dall'esterno, sono cinte a nord, est e sud da portici a colonne. Il muro occidentale è occupato dall'edificio della moschea. I mausolei di Sheikh Selim Chishti e Nawab-Islam-Khan si trovano vicino al centro del muro settentrionale, da sud c'è l'ingresso principale - il cosiddetto Buland-Darvaza, che è un maestoso edificio in cui le caratteristiche del monumentale lo stile architettonico dell'era Akbar era incarnato. Questo edificio fu costruito nel 1602 per commemorare la conquista del Gujarat. Il seminterrato è formato da 150 ampi gradini in pietra di un enorme portale, coronato da una galleria traforata con cupole in miniatura e diversi padiglioni a cupola sulla piattaforma superiore.

Colonna in acciaio inossidabile. Delhi

In un periodo successivo, relativo principalmente al regno di Shah Jehan, continuò la costruzione di edifici monumentali. Questo periodo comprende monumenti come la moschea della cattedrale di Delhi (1644-1658), la Moschea delle Perle (1648-1655) nello stesso luogo, numerosi palazzi a Delhi e Agra e il famoso mausoleo del Taj Mahal. Ma nel carattere generale dell'architettura di questo tempo c'è un allontanamento dallo stile monumentale dell'epoca di Akbar e una tendenza alla raffinatezza delle forme architettoniche. Il ruolo del principio decorativo è notevolmente migliorato. Gli intimi padiglioni del palazzo con decorazioni squisite e sofisticate diventano il tipo predominante di edifici.

La manifestazione di queste tendenze può essere vista nell'esempio del mausoleo di Itimad uddoule ad Agra (1622-1628). Al centro del parco sorge un edificio in marmo bianco del mausoleo. L'architetto lo ha costruito nello spirito dei padiglioni del palazzo, abbandonando le forme monumentali tradizionali per una struttura tombale. La leggerezza e l'eleganza delle forme dell'edificio è sottolineata dalla sua raffinata decorazione.

Ornamento del Qutb Minar (circa 1200, Delhi)

Nei numerosi edifici di Shah Jehan a Delhi colpisce innanzitutto la ricchezza e la varietà dei motivi ornamentali.

L'apice dell'architettura Mughal è il mausoleo Taj Mahal (completato nel 1648) sulle rive del Jamna ad Agra, costruito da Shah Jehan in memoria di sua moglie Mumtaz-i-Mahal. L'edificio, insieme al basamento e alla cupola, è realizzato in marmo bianco e poggia su una massiccia piattaforma di arenaria rossa. Le sue forme si distinguono per l'eccezionale proporzionalità, l'equilibrio e la morbidezza dei loro contorni.

L'insieme del mausoleo è completato dagli edifici della moschea e dal padiglione per le riunioni, in piedi sui bordi della piattaforma. Di fronte al complesso si trova un vasto parco, i cui viali centrali corrono lungo una vasca lunga e stretta dal portale d'ingresso direttamente al mausoleo.

Nella seconda metà del XVII secolo, con un cambiamento nel corso politico interno sotto Aurangzeb, cessò lo sviluppo dell'architettura nello stato moghul.

In India nei secoli XVI-XVII, insieme ai Mughal, esistevano numerose scuole di architettura locali che creavano nuove soluzioni ai temi architettonici tradizionali.. .

In questo periodo, a Bidar e Bijapur, che per un tempo relativamente lungo mantennero l'indipendenza dai Moghul, si stava diffondendo un particolare tipo di mausoleo a cupola centrale, tipici esempi del quale sono il mausoleo di Ali-Barid (XVI secolo) a Bidar e il mausoleo di Ibrahim II (inizio XVII secolo) a Bijapur.

Nei secoli XV-XVIII. includono numerose ricostruzioni di complessi di templi giainisti sul monte Girnar, a Shatrunjaya (Gujarat) e sul monte Abu (South Rajasthan). Molti di loro furono costruiti nel X-XI secolo, ma successive ricostruzioni ne cambiarono notevolmente l'aspetto.

I templi giainisti erano solitamente situati al centro di un vasto cortile rettangolare, circondato da un muro, lungo il perimetro interno del quale c'era una fila di celle. L'edificio del tempio stesso consisteva in un santuario, una sala adiacente e una sala di colonne. I templi giainisti si distinguono per la loro straordinaria ricchezza e varietà di decorazioni scultoree e ornamentali.

Mausoleo del Taj Mahal. Agra

I famosi templi sul Monte Abu sono costruiti interamente in marmo bianco. Il tempio più famoso è Tejpala (XIII secolo), famoso per la sua decorazione interna e soprattutto per la decorazione scultorea del soffitto.

Nel sud dell'India, i maestri della tarda architettura bramina nei secoli XVII-XVIII. ha creato una serie di eccezionali complessi architettonici. È nelle regioni meridionali, specialmente a Vijayanagara, che le tradizioni artistiche della suddetta scuola dell'India meridionale o dravidica, che si sviluppò successivamente qui dall'VIII all'XI secolo, si sono conservate più pienamente. Nello spirito di queste tradizioni, furono creati complessi di templi così estesi come il tempio Jambukeshwara vicino a Tiruchirapalli, il tempio Sundareshwara a Madurai, il tempio a Tanjur, ecc. Queste sono intere città: al centro c'è il tempio principale, il cui edificio si perde spesso tra numerosi edifici ausiliari e templi. Diversi contorni concentrici delle pareti dividono il vasto territorio occupato da un tale insieme in una serie di sezioni. Di solito questi complessi sono orientati lungo i punti cardinali, con l'asse principale ad ovest. Alte torri del cancello - gopuram - sono erette sopra le mura esterne, dominando l'aspetto generale dell'insieme. Sembrano una piramide tronca fortemente allungata, i cui piani sono densamente ricoperti di sculture, spesso dipinte, e intagli ornamentali. Un altro elemento caratteristico della tarda architettura bramina sono le ampie vasche per le abluzioni e le sale ai lati con molte centinaia di colonne riflesse nell'acqua.

Nei secoli XVIII-XIX. In India c'era una costruzione civile abbastanza estesa. A questo periodo appartengono numerosi castelli e palazzi di principi feudali, numerosi edifici significativi in ​​\u200b\u200bmolte grandi città dell'India. Ma l'architettura di questo tempo si limita solo alla ripetizione o alla ricerca di nuove combinazioni e varianti di forme architettoniche già elaborate prima *, che ora vengono interpretate in modo sempre più decorativo.

Torre del tempio a Madurai

Insieme a. tradizionalmente indiano, vengono sempre più utilizzati vari elementi e forme dell'architettura europea. Queste caratteristiche dell'architettura tardo indiana determinarono il suo peculiare aspetto bizzarro, caratteristico di molte città dell'India, soprattutto per i loro nuovi quartieri.

Nella seconda metà del XIX - inizio XX secolo. un numero significativo di edifici ufficiali viene costruito secondo modelli europei.

L'attenuazione delle tradizioni della pittura murale monumentale sopra menzionata non significava la loro completa cessazione nell'arte dei popoli dell'India. Queste tradizioni, sebbene in forma notevolmente modificata, trovarono la loro continuazione nelle miniature dei libri.

I primi esempi di miniature indiane medievali a noi note sono le opere della cosiddetta scuola gujarati dei secoli XIII-XV. In termini di contenuto, sono quasi interamente illustrazioni di libri religiosi giainisti. Inizialmente le miniature venivano scritte, come libri, su foglie di palma, e dai secoli XIV-XV. - su carta.

La miniatura gujarati ha una serie di tratti caratteristici, principalmente nel modo di raffigurare la figura umana: il viso era raffigurato di tre quarti e gli occhi erano disegnati davanti. Il lungo naso appuntito sporgeva ben oltre il contorno della guancia. Il petto era raffigurato come eccessivamente alto e arrotondato. Le proporzioni generali della figura umana erano marcatamente tozze.

Alla corte dei Grandi Moghul si sviluppò e raggiunse un alto livello di perfezione la cosiddetta scuola di miniatura Moghul, le cui basi, secondo le fonti, furono poste dai rappresentanti della scuola di Herat, gli artisti Mir Seyid Ali Tabrizi e Abd al-Samad Mashkhedi. La miniatura Mughal raggiunse il suo apice nella prima metà del XVII secolo, durante il regno di Jehangir, che patrocinò particolarmente quest'arte.

Partendo dalle tradizioni della miniatura medievale classica dell'Iran e dell'Asia centrale, la miniatura Mughal nel suo sviluppo si avvicinò più di qualsiasi altra scuola di miniatura orientale ai metodi di pittura realistici. Un ruolo importante nella formazione della miniatura moghul fu svolto anche dallo spirito di grande interesse per l'individuo e le sue esperienze, che regnava alla corte moghul, e dall'interesse per la vita quotidiana. Indubbiamente, a questo sono associati un gran numero di ritratti e composizioni di genere; è significativo che la miniatura Mughal abbia conservato per noi il maggior numero di nomi di artisti e opere firmate, cosa relativamente rara in altre scuole. Insieme ai ritratti espressivi, un posto significativo è occupato dalle immagini di ricevimenti di palazzo, feste e festeggiamenti, caccia, ecc. Nello sviluppare queste trame, tradizionali per le miniature orientali, gli artisti Mughal trasmettono correttamente la prospettiva, sebbene la costruiscano da un punto di vista elevato . I maestri Mughal raggiunsero una grande perfezione nella raffigurazione di animali, uccelli e piante. Mansur era un maestro eccezionale di questo genere. Disegna i bambini con linee perfettamente precise, disegnando i dettagli del loro piumaggio con tratti finissimi e delicate transizioni di colore.

Il periodo di massimo splendore della miniatura Mughal contribuì allo sviluppo alla fine dei secoli XVII-XVIII. un certo numero di scuole di pittura locali, quando, con il declino dello stato moghul, si rafforzarono i principati feudali separati, di solito queste scuole sono chiamate con il termine convenzionalmente collettivo Rajput miniatura. Ciò include le scuole in miniatura del Rajasthan, Bundelkhand e alcune aree limitrofe.

Miniatura della scuola Moghul, fine del XV secolo. Riconciliazione tra Babur e Sultan Amir Mirza vicino a Kokhlin vicino a Samarcanda

Le trame preferite della miniatura Rajput sono episodi del ciclo di leggende su Krishna, della letteratura e poesia epica e mitologica indiana. Le sue caratteristiche distintive sono il grande lirismo e la contemplazione. Il suo stile artistico è caratterizzato da un contorno sottolineato, un'interpretazione planare condizionale sia della figura umana che del paesaggio circostante. Il colore in una miniatura Rajput è sempre locale.

A metà del XVIII secolo. le qualità artistiche della miniatura Rajput stanno diminuendo, gradualmente si avvicina alla popolare stampa popolare.

Il periodo coloniale nella storia dell'arte indiana fu un periodo di stagnazione e declino per la maggior parte delle forme tradizionali di arte indiana medievale. Alla fine dei secoli XVIII-XIX. le caratteristiche della brillante creatività originale sono soprattutto conservate nella stampa popolare indiana e nei dipinti murali. In termini di contenuto, le pitture murali e il lubok erano prevalentemente arte di culto: erano raffigurate numerose divinità braminiche, episodi di leggende e tradizioni religiose, trame tratte dalla vita ordinaria erano meno comuni. Sono anche vicini nelle tecniche artistiche: sono caratterizzati da colori brillanti e saturi (principalmente verde, rosso, marrone, blu), un contorno chiaro e forte e un'interpretazione piatta della forma.

Uno dei centri significativi della stampa popolare indiana era Kalighat vicino a Calcutta, dove nei secoli XIX-XX. prese forma una peculiare scuola del cosiddetto Kalighat lubok, che ebbe un certo impatto sull'opera di alcuni pittori contemporanei.

Nel tentativo di sopprimere tutte le manifestazioni della cultura nazionale indiana, l'amministrazione coloniale britannica ha cercato di formare uno strato della popolazione nel paese, i cui rappresentanti, secondo il piano dei colonialisti, essendo indiani di origine, sarebbero stati britannici nella loro educazione , educazione, moralità, modo di pensare. L'attuazione di tale politica è stata facilitata da varie istituzioni educative per gli indiani, i programmi e l'intero sistema di insegnamento in cui sono stati costruiti su modelli inglesi; alcune scuole d'arte, in particolare la Calcutta Art School, erano tra tali istituzioni.

Alla fine del XVIII-inizio del XIX secolo. in India si sta sviluppando una direzione specifica, a volte chiamata. Arte anglo-indiana. È stato creato da artisti europei che hanno lavorato in India e hanno adottato alcune delle tecniche della pittura in miniatura indiana. D'altra parte, un ruolo importante nella formazione dell'arte anglo-indiana è stato svolto da artisti indiani, cresciuti nelle tradizioni delle miniature indiane, ma prendendo in prestito le tecniche del disegno e della pittura europei.

Un rappresentante caratteristico di questa tendenza era Ravi Varman (anni 80-90 del XIX secolo), nelle cui opere erano forti i tratti del sentimentalismo e della dolcezza. Questa direzione non ha creato opere significative e non ha lasciato un segno evidente nell'arte indiana, ma in una certa misura ha contribuito a una più stretta conoscenza degli artisti indiani con le tecniche e le tecniche della pittura e del disegno europei.

La formazione di una nuova arte moderna e raffinata in India all'inizio del XX secolo. associato ai nomi di E. Havell, O. Tagore e N. Boschu.

E. Havell, che ha guidato nel 1895-1905. Calcutta Art School, ha pubblicato una serie di opere sulla storia dell'arte indiana, il suo contenuto e le caratteristiche artistiche e stilistiche.

Miniatura indiana della scuola Rajput, XVII secolo. Dio Shiva con sua moglie Parvaticheniya e l'alto valore artistico dei monumenti d'arte antichi e medievali dell'India. Nella pratica artistica e pedagogica, E. Havell ha chiesto di seguire le forme e i metodi tradizionali delle belle arti indiane. Queste idee di E. Havell si rivelarono in sintonia con le aspirazioni dell'intellighenzia indiana avanzata, che cercava vie di rinascita nazionale; O. Tagore, una delle figure di spicco nel movimento del cosiddetto revival del Bengala, fu tra questi ultimi.

Personaggio pubblico eccezionale e artista eccezionale, Obonindronath Tagore radunò attorno a sé un gruppo significativo di giovani intellighenzia nazionale e creò diversi centri: una specie di università, il cui compito principale era il lavoro pratico di ricreare, far rivivere vari rami della cultura artistica indiana che era caduto in rovina durante la schiavitù coloniale dell'India.

Un'altra figura importante nell'arte indiana del primo Novecento. fu il pittore Nondolal Boshu, che cercò di creare un nuovo stile pittorico monumentale, basato sulle tradizioni della pittura dei templi rupestri.

N. Boschu e O. Tagore furono i fondatori della direzione nota come scuola bengalese. Negli anni '20 e '30, la scuola bengalese ha svolto un ruolo di primo piano nelle arti visive dell'India - la maggior parte degli artisti dell'epoca si è unita ad essa.

N. Boschu, O. Tagore ei loro seguaci hanno tratto le trame delle loro opere principalmente dalla mitologia e dalla storia indiana. Nelle loro opere, molto diverse per maniera e stile, c'era molto contraddittorio. Quindi, O. Tagore nelle sue imitazioni della miniatura Mughal ha combinato le sue tecniche caratteristiche con le tecniche della pittura europea e giapponese. Il lavoro degli artisti della scuola bengalese nel suo insieme si distingue per le caratteristiche del romanticismo. Ma nonostante una serie di debolezze nel loro lavoro, il suo orientamento ideologico, il desiderio di far rivivere la pittura nazionale, l'appello a trame e temi puramente indiani, combinato con l'emotività e l'individualità enfatizzate, in modo artistico, hanno determinato il successo e la popolarità del dipinto scuola creata da O. Tagore e N. Bosch. Molti noti maestri moderni della vecchia generazione, come S. Ukil, D. Roy Chowdhury, B. Sen e altri, ne sono usciti o hanno sperimentato la sua forte influenza.

Un fenomeno luminoso e peculiare è il lavoro di Amrita Sher-Gil. Dopo aver ricevuto un'educazione artistica in Italia e in Francia, l'artista, tornata in India alla fine degli anni '20, prese una posizione completamente diversa rispetto alla scuola bengalese, che lei negò. I soggetti prediletti dell'artista sono la vita quotidiana dei contadini indiani nelle sue varie manifestazioni. Introducendo questo tema nell'arte indiana, A. Sher-Gil nelle sue opere si è sforzata di mostrare la situazione della gente comune dell'India in quel momento, per cui molte delle sue opere sono caratterizzate da un tocco di tragedia e disperazione. L'artista ha sviluppato uno stile proprio, brillantemente individuale, caratterizzato da una grande generalizzazione della linea e da una forma sostanzialmente realistica. Il suo lavoro, che non ha guadagnato popolarità durante la vita dell'artista, è stato apprezzato solo negli anni del dopoguerra e ha influenzato molti artisti indiani contemporanei.

La conquista dell'indipendenza dell'India ha creato i presupposti per una nuova impennata e sviluppo dell'architettura e delle belle arti, anche se la secessione del Pakistan ha portato all'isolamento di significative forze artistiche

"Riposo" (da un dipinto dell'artista Amrita Sher-Gil)

La vita artistica contemporanea in India è estremamente varia, “complessa e contraddittoria. In esso si intrecciano numerose correnti e scuole e c'è un'intensa ricerca di modi di ulteriore sviluppo e miglioramento. Le belle arti indiane stanno ora attraversando un periodo di acuta lotta ideologica e artistica; c'è un processo di piegatura, formazione di una nuova arte nazionale originale, che eredita tutte le migliori tradizioni della secolare cultura artistica indiana e si sforza di padroneggiare e rielaborare in modo creativo le tecniche e i mezzi artistici delle ultime tendenze dell'arte mondiale.

Una corrente appare nell'architettura indiana moderna, che si sforza di creare un nuovo stile nazionale facendo rivivere e utilizzando le forme e gli elementi dell'architettura antica, principalmente del periodo Gupta / Insieme a questa tendenza stilistica, la moderna scuola architettonica di Corbusier è ora estremamente diffusa in India; Lo stesso Corbusier sviluppò la disposizione e l'architettura degli edifici di Chandigarh, la nuova capitale del Punjab orientale, costruì una serie di edifici pubblici e privati ​​​​ad Ahmedabad e in altre città. Molti giovani architetti indiani stanno lavorando nella stessa direzione.

Nell'arte moderna indiana si sono diffuse varie tendenze "ultramoderne", moderniste e astrattiste, spiritualmente affini alle correnti formaliste estreme dell'arte borghese dell'Europa occidentale e americana. Spesso le tendenze astrattiste nel lavoro degli artisti indiani si intrecciano con tecniche decorative e stilistiche. Questi momenti sono particolarmente luminosi nelle opere di maestri come J. Keith, K. Ara, M. Husain, A. Ahmad e altri.

"Escono in mare" (da un dipinto dell'artista Hiren Dash)

Anche un'altra direzione nella pittura è molto diffusa, rivolgendosi alla ricerca di modi per far rivivere l'arte nazionale ai famosi monumenti dell'India antica e medievale. Proseguendo le tradizioni della scuola bengalese, nelle pitture rupestri di Ajanta e Baga, nelle miniature Mughal e Rajput, nella popolare stampa popolare, non solo le trame e i temi delle loro opere, ma anche nuovi, ancora inesplorati pittorici, tecnici e tecniche compositive. Insieme a composizioni simboliche e storico-mitologiche, sviluppano anche temi della vita popolare nei loro dipinti. Il loro modo artistico è caratterizzato da un'interpretazione convenzionalmente decorativa generalizzata della forma. Un esempio espressivo è il lavoro di Jamini Roy, artista della vecchia generazione e uno dei maestri più significativi di questa direzione. Lavorando nel primo periodo della creatività alla maniera della scuola bengalese, in seguito si rivolge nelle sue ricerche alla popolare stampa popolare e sviluppa un contorno chiaro, uniformemente arrotondato, una forma semplice e forte, monumentalità e concisione della composizione, colorazione rigorosa, caratteristica delle sue opere successive. Artisti di spicco come M. Day, S. Mukherjee, K. Srinivasalu e altri lavorano con lo stesso spirito, ma ciascuno nel suo modo individuale e le tecniche pittoriche realistiche non sono estranee a loro.

"Cerchio dopo cerchio" (da un dipinto dell'artista K. K. Hebbar)

Insieme alle tendenze indicate nell'arte indiana, sta crescendo e guadagnando forza una tendenza che sviluppa temi della vita moderna quotidiana dei popoli dell'India con mezzi realistici. Nelle opere di artisti di questa tendenza, le immagini della gente comune dell'India si riflettono con grande espressività, amore e calore, le caratteristiche della loro vita e attività lavorativa sono trasmesse in modo molto poetico e vitale. Queste sono le opere pittoresche e grafiche: A. Mukherjee ("Pond in the Village"), *S. N. Banerji ("Ripiantare le piantine di riso"), B.N. Jija ("La bellezza del Malabar"), B. Sena ("Lo stagno magico"), X. Dasa ("Andare al mare"), K.K. Hebbar ("Il cerchio dopo cerchio"), A. Bose (ritratto di R. Tagore), scultura di C. Kara (ritratto di M. K. Gandhi) e molti altri."

Queste direzioni principali lungi dall'esaurire la diversità dei movimenti artistici e l'originalità individuale del lavoro degli artisti indiani. Molti maestri nella loro ricerca creativa di nuovi modi utilizzano un arsenale molto ampio di mezzi visivi e creano opere in una varietà di modi, spesso contraddittori.

Le arti visive in India stanno ora attraversando un periodo di vigorose ricerche nel campo del contenuto ideologico e della forma artistica. La chiave del suo sviluppo di successo e fruttuoso è lo stretto legame dei principali artisti indiani con la vita e le aspirazioni del popolo indiano, “con il movimento dell'umanità verso la pace e il progresso.

In queste sale, i danzatori del tempio eseguivano danze rituali.

Sul territorio della moschea si trova la famosa colonna in acciaio inossidabile risalente al IV-V secolo. N. e. Molti indiani credono che saranno fortunati se riusciranno ad avvolgere le braccia attorno al pilastro dandogli le spalle.